Desde este jueves 5 al sábado 7 de junio la ciudad de Barcelona pasa nuevamente a ser el epicentro de la música global con la edición número 23 del Primavera Sound. El festival, que ya agotó todas las entradas, tendrá lugar en el ya emblemático Parc del Fòrum y contará con un lineup encabezado por Charli XCX, Sabrina Carpenter y Chappell Roan.

Además, tendrá la presencia de bandas como LCD Soundsystem, FKA Twigs, Haim, Fontaines D.C., Beach House, Idles, Jamie XX y artistas como Turnstile y Anohni and the Johnsons. Entre la presencia española destacan Amaia, Carolina Durante, La Casa Azul y Judelein, entre otros.

Sin embargo, la grilla no termina ahí. También aparecen músicos y proyectos de renombre como Caribou, Stereolab, Spiritualized, y algunos que han ganado popularidad en los últimos años como Parcels, MJ Lenderman, Cassandra Jenkins y Wet Leg.

¿Cómo ver el Primavera Sound 2025?

La buena noticia para quienes no pudieron viajar a España es que Amazon Music transmitirá en exclusiva una selección de presentaciones del festival en vivo, a través de sus canales de Twitch y Prime Video. El streaming comenzará cada día a las 19:30 h en España, lo que equivale a las 14:30 h en Argentina. Según indicaron desde la plataforma, además de los shows, el contenido incluirá entrevistas con artistas y material exclusivo detrás de escena, ofreciendo una experiencia más completa y cercana para quienes siguen el evento desde sus casas.

Entre los nombres confirmados para la transmisión se encuentran Fontaines D.C., Beabadoobee, Idles, Jamie xx, Kim Deal, MJ Lenderman, Stereolab, TV on the Radio, Waxahatchee, Wet Leg, Caribou, Floating Points y Aminé, entre muchos otros. Para acceder al contenido solo es necesario contar con una cuenta de Amazon o seguir el canal de Amazon Music en Twitch. El festival se podrá ver desde cualquier dispositivo con acceso a estas plataformas.

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El 9 de febrero de 1964, en los estudios de CBS de Nueva York, The Beatles subieron al escenario de The Ed Sullivan Show y se impregnaron para siempre en la cultura popular. Fue el inicio oficial de la “invasión británica”, el momento exacto en que los Estados Unidos -y el mundo- se rindió ante los Fab Four. Pero lo que pocos saben es que esa noche icónica casi termina de forma trágica por culpa de un par de trapos y cera para muebles.

La historia es conocida: millones de estadounidenses pegados al televisor, una banda que ya era furor en Reino Unido y un debut televisivo que los transformaría en íconos globales. Sin embargo, detrás de escena las cosas no eran tan glamorosas. George Harrison estaba enfermo tras el vuelo. John Lennon dudaba de su futuro tras unas declaraciones a favor del comunismo. Paul McCartney y Ringo Starr contenían la ansiedad. Pero todo se alineó en cuanto aterrizaron: “I Want to Hold Your Hand” había conquistado las listas y la Beatlemanía ardía.

El ensayo general fue intenso. Técnicos, productores y músicos se esmeraron en encontrar el mejor sonido posible entre voces e instrumentos. Se trataba de un show en vivo con millones de espectadores y cada detalle era imprescindible. Una vez alcanzado el balance ideal, alguien marcó los niveles en la consola de sonido y los amplificadores y todo quedó listo para salir al aire. Nada podía salir mal.

La limpieza que casi arruina todo

Sin embargo, todo cambió cuando entraron en escena los verdaderos protagonistas del episodio: los encargados de limpieza. Al regresar del descanso, técnicos y músicos se encontraron con una consola reluciente y sin marcas. Como recordó Harrison tiempo después, los empleados del canal, con la mejor de las intenciones, habían pulido la superficie y borrado todas las indicaciones que garantizaban el sonido perfecto.

“En esa época era todo muy rudimentario. Ponían los amplificadores al costado del escenario para que no arruinaran el plano de cámara” rememoró George entre risas años más tarde en una entrevista recuperada por Far Out Magazine. Lo que siguió fue una carrera contrarreloj para recomponer los niveles y rescatar el sonido justo.

Beatles ’64: El documental que cuenta todo sobre esta presentación histórica

En noviembre de 2024, Disney+ estrenó Beatles ’64, un documental producido por Martin Scorsese y dirigido por David Tedeschi que captura la primera visita de The Beatles a América e incluye su show en The Ed Sullivan Show.

Así lo describen desde la plataforma:

“El 7 de febrero de 1964, The Beatles llegaron a Nueva York en medio de una emoción y una histeria sin precedentes. Desde el instante en que aterrizaron en el Aeropuerto Kennedy, recibidos por miles de fans, la Beatlemanía arrasó Nueva York y todo el país. Su emocionante actuación debut en The Ed Sullivan Show cautivó a más de 73 millones de espectadores, el evento televisivo más visto de su época. Beatles ’64 presenta el espectáculo, pero también cuenta una historia más íntima detrás de cámaras, capturando la camaradería de John, Paul, George y Ringo mientras experimentaban una fama inimaginable”.

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Red Hot Chili Peppers es una banda que vivió múltiples etapas a lo largo de su carrera, cambios de integrantes y experimentación con diferentes géneros. Con un comienzo ligado al under y la transgresión, hacia finales de los 90 y principios de los 2000 se volvieron una de las bandas del momento con un sonido más cuidado.

Desde su fundación publicaron 13 álbumes de estudio, repletos de hits pero también de joyas escondidas. Aunque estas piezas no lograron llegar a lo más alto de los ránkings, vale la pena conocerlas en profundidad. A continuación, 4 canciones de los Red Hot Chili Peppers que merecen más reconocimiento.

“Animal Bar” – Stadium Arcadium (2006)

En este disco doble muchas canciones pasaron desapercibidas: una de ellas “Animal Bar“. Acá tiene una fuerte presencia el bajo, con su línea melódica a partir de un riff que se va repitiendo, mientras que la batería mantiene un ritmo constante y explota en el estribillo. Los coros de John Frusciante le suman condimento a este tema que va cambiando de intensidades.

“Tear” – By the Way (2002)

Si bien este es uno de los discos más exitosos de la banda, no todos sus temas fueron hits. La balada de corte pesimista “Tear” tiene un teclado protagónico -una rareza- y un estribillo donde explota la emotividad con las atinadas armonías de voces a cargo de Frusciante.

“One Big Mob” – One Hot Minute (1995)

Lo interesante de este tema de espíritu funk que contiene rap, bajo slapeado y guitarras frenéticas es que rescata el espíritu de las primeras épocas de la banda.

“True Men Don’t Kill Coyotes” – The Red Hot Chili Peppers (1984)

La explosión masiva de los californianos llegaría a finales de los 90, pero previamente venían experimentando con un funk alternativo fusionado con new wave. Este tema es un ejemplo exacto de ello. Anthony Kiedis tiene una interpretación diferente en esta primera etapa, aunque ya se observan los aspectos que conserva hasta el día de hoy.

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A 40 años del estreno de Volver al futuro (1985), la marca de instrumentos Gibson se unió a Michael J. Fox para una búsqueda muy especial: la guitarra Gibson ES-345 que el actor uso en la icónica escena del baile y está desaparecida. El instrumento, que Fox empuñó como Marty McFly mientras interpretaba “Johnny B. Goode”, es considerado uno de los objetos musicales más icónicos de la historia del cine. Sin embargo, durante el rodaje de la secuela en 1989, el equipo descubrió que había desaparecido.

Ahora, Gibson invita a los fanáticos de todo el mundo a sumarse a la búsqueda del instrumento perdido a través del sitio www.LostToTheFuture.com o mediante mensajes al 1-855-345-1955. La iniciativa formará parte de Lost to the Future, un documental que ya se encuentra en producción, dirigido por Doc Crotzer y producido por Gibson Films. “El momento de Marty en el escenario es una carta de amor a todos los grandes guitarristas que me influenciaron”, declaró Fox. “Nunca imaginé que tendría tal impacto. John Mayer y Chris Martin me dijeron que empezaron a tocar gracias a esa escena. Me emociona saber que sigue viva en la memoria colectiva”.

El documental contará con entrevistas exclusivas a miembros del elenco original como Christopher Lloyd, Lea Thompson, Harry Waters Jr. y Huey Lewis, además de testimonios del cocreador Bob Gale y de músicos reconocidos que fueron influenciados por la película. Gale, guionista y productor de la saga, confesó: “Hace años me sorprendió saber que este artefacto había desaparecido en el tiempo. Como no tenemos una máquina del tiempo, esta búsqueda es probablemente nuestra mejor oportunidad para resolver un misterio que lleva décadas”.

A continuación podés ver el tráiler de Lost to the Future.

Una clásico de Hollywood que trasciende el tiempo y el espacio

Dirigida por Robert Zemeckis y producida por Steven Spielberg, Volver al futuro es una de las aventuras cinematográficas más emblemáticas de todos los tiempos. Estrenada el 3 de julio de 1985, la película se convirtió en la más taquillera de ese año en Estados Unidos.

La historia sigue a Marty McFly (Michael J. Fox), un adolescente que viaja accidentalmente al año 1955 a bordo de un DeLorean convertido en máquina del tiempo por el excéntrico científico Doc Brown (Christopher Lloyd). Allí, Marty deberá corregir el curso de los acontecimientos para asegurar su existencia y volver a casa.

Con efectos especiales revolucionarios para la época, una banda sonora inolvidable y una narrativa llena de humor, emoción y ciencia ficción, Volver al futuro sigue siendo un clásico atemporal. La película dio origen a una franquicia que recaudó cerca de mil millones de dólares en todo el mundo.

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Dua Lipa llega a Spotify. Sí, ya sabemos que su música siempre estuvo en la plataforma, pero ahora arriba con otro proyecto: un videopodcast sobre literatura. Titulado Service95 Book Club, este club de lectura estará disponible a partir del 10 de junio. En él, la cantante pop charla con algunos autores que integran sus recomendaciones de libros mensuales.

Antes llamado At Your Service, este podcast tuvo tres temporadas, pero ahora llega renovado y con otra impronta. Sobre él, Lipa dijo:

“Para mí, una de las mejores cosas de leer es poder charlar con mis amigos sobre el libro que me ha fascinado. Pero sin duda, la fantasía máxima sería tener al autor en la habitación con nosotros, respondiendo a todas nuestras preguntas sobre el increíble mundo que ha creado. Pues bien, puedo vivir mi fantasía con el podcast Service95 Book Club, donde en cada episodio comparto un libro que me encanta y me acompaña el autor. Como alguien que está realmente obsesionada con los libros, es un sueño hecho realidad”.

Por su parte, Roshni Radia de Spotify afirmó: “El estilo único de Dua y su clara pasión por la literatura hacen que sea la opción perfecta para nosotros. […] Nos entusiasma ver a los fans de la música de Dua enamorarse de esta serie de entrevistas y luego descubrir nuevos autores cuyos audiolibros también pueden escuchar directamente en Spotify”.

Dua Lipa recomendó varios libros argentinos

A principios de 2024, Lipa recomendó Fortuna del autor argentino Hernán Díaz. A través de la cuenta de Instagram de Service95, Dua compartió una foto con el mencionado libro, ganador del premio Pulitzer 2023, y escribió lo siguiente: “Mi lectura mensual de marzo es Fortuna de Hernán Díaz ¡Este libro me voló la cabeza!“.

Y agregó:

“Ambientado en la ciudad de Nueva York en los años 20 y 30, la historia de un financiero de Manhattan y su esposa de la alta sociedad se narra a través de cuatro ‘libros’: una novela, un manuscrito, unas memorias y un diario. Pero, ¿en cuál versión deberías confiar? ¿Existe siquiera una realidad verdadera? Mientras que cada lector llegará a sus propias conclusiones al final de este complejo y emocionante libro, lo que nunca estará en discusión es la facilidad con la que el dinero y el poder pueden torcer la realidad misma. Yo me obsesioné y quizás ustedes también”.

Además, en una entrevista con la revista Vogue España, recomendó la lectura de dos novelas de escritores argentinos: A lo lejos -también de Hernán Díaz- y No es un río de la autora Selva Almada, publicada por la editorial Charco Press.

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En noticias relacionadas a Lipa, la cantante está en medio de su gira Radical Optimism, que llegará a Latinoamérica. La artista británica se estará presentando el 7 y 8 de noviembre en el estadio River Plate, donde presentará su último álbum de estudio, Radical Optimism (2024). Esta será su tercera visita al país tras su paso en 2022 con Future Nostalgia -en el Campo Argentino de Polo-, y su debut en 2017 -donde abrió para Coldplay en el Estadio Único de La Plata y se presentó sola en el Teatro Vorterix-.

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Aunque Electric Light Orchestra es una banda conocida por sus melodías brillantes y optimistas como “Mr. Blue Sky” o “Don’t Bring Me Down”, su líder, Jeff Lynne, confesó que muchas de sus composiciones esconden una profunda melancolía. En una entrevista con Classic Rock, el artista británico dijo: “Siempre pensé que nuestra música era triste. Cuando la gente dice: ‘Wow, tus canciones me hacen sentir tan bien’, pienso: ‘Espera, estoy escribiendo sobre la soledad’”.

Entre todas sus obras, hay una que destaca por su carga emocional: “Telephone Line”. Lanzada en 1977 como parte del álbum A New World Record, esta balada refleja el dolor de la incomunicación y la distancia en una relación. El nacimiento de la obra ocurrió después de que Lynne y los suyos se fueran de gira por Estados Unidos, durante la cual intentaba contactar a su novia sin éxito.

“‘Telephone Line’ es la más triste de todas. La escribí justo después de una gira por Estados Unidos. Tenía una novia allá y ella no contestaba el teléfono. Por eso usé el sonido del tono de marcación americano. Todo trataba sobre llamadas telefónicas de larga distancia. Las giras arruinaban las relaciones y cosas así”, relató Lynne.

A pesar de su tono melancólico, “Telephone Line” se convirtió en uno de los mayores éxitos de ELO, demostrando que los tracks tristes pueden resonar profundamente con el público. Lynne ha mencionado que se inspiró en artistas como Del Shannon y Roy Orbison, quienes también exploraban la tristeza en sus composiciones.

“Cuando era niño, me encantaban las canciones melancólicas de Del Shannon y Roy Orbison. Escribían canciones realmente tristes y esas eran las mejores. Pensaba que estaba escribiendo ese tipo de canciones. La gente me dice que la canción les da un impulso, pero nunca pensé que estaba haciendo eso por alguien”, compartió Lynne.

Lynne y Orbison no solo fueron parte de The Traveling Wilburys, el supergrupo también conformado por George Harrison, Tom Petty y Bob Dylan. Para Lynne, Roy tenía la mejor voz del rock and roll. “No puedes reemplazar a Roy. Es imposible. Roy tenía la mejor voz que he escuchado en el rock ‘n’ roll, simplemente magnífica”, declaró en una ocasión.

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Por más que haya escrito algunas de las canciones más icónicas de su generación, Stevie Nicks sigue recordando que alguna vez también fue fanática. Antes de volverse una figura fundamental de Fleetwood Mac y un emblema del rock, Nicks se sentaba en su cama con una guitarra y trataba de sacar los acordes de sus más grandes ídolos. Entre todos ellos, había un nombre que destacaba: The Beatles. Y dentro de ese repertorio inmortal había una canción que, según ella, rozaba la perfección: “Yesterday”.

En una entrevista con Rolling Stone, Nicks llegó a declarar que esa balada escrita por Paul McCartney fue una especie de lección de cómo expresar las cosas con simpleza. “Ya sabía que iba a ser compositora”, recordó sobre esos años formativos, cuando apenas podía imitar los acordes pero ya entendía lo importante. “Yesterday” la inspiró de una manera que no había sucedido con ninguna otra canción.

Para Nicks, la canción iba más allá del desamor adolescente y veía en ella una suerte de premonición sobre la vida de McCartney, especialmente sobre su relación con Linda, su gran amor y compañera a quien perdería años más tarde. “Fue como si Paul ya supiera lo que iba a pasar”, dijo aludiendo a esa cualidad medio mágica que tienen algunas canciones de anticipar emociones.

Ya en los años 70, y tras el boom de Rumours, Nicks supo lo que era estar en la cima y al mismo tiempo en medio de un terremoto emocional. Como los Beatles en su época de mayor popularidad, supo transformar el caos personal en canciones que conectaban con millones de personas. Pero nunca perdió de vista lo que había aprendido escuchando “Yesterday”.

La inspiración detrás de “Yesterday”

La inspiración de “Yesterday“ es un tanto llamativa y fue revelada por Paul recientemente. En un capítulo de su podcast McCartney: A Life in Lyrics, el músico confesó que la línea “I said something wrong/ now I long for yesterday” estuvo inspirada de forma inconsciente en una conversación que tuvo con su madre varios años antes de componer el tema.

El exBeatle comentó: “Recuerdo muy claramente un día que avergoncé a mi mamá. Estábamos en el patio trasero y ella hablaba de manera refinada. Era de origen irlandés y era enfermera, así que estaba por encima del nivel de la calle. Ella hablaba de una manera que nosotros pensábamos que era un poco refinada. Y también tenía un poco de acento galés: tenía conexiones, su tía Dilys era galesa”.

McCartney mencionó que, en un momento, su madre le pidió un favor: hacerle una pregunta a alguien. Al parecer, la mujer pronunciaba mal la palabra “ask” (preguntar) y la mencionaba como “arsk”. Casi burlándose, Paul le dijo: “¡Arsk! ¡Arsk! Es ‘ask’, mamá”. Esto avergonzó a su madre, por lo que el artista admitió: “Recuerdo pensar más tarde ‘Dios, ojalá nunca hubiera dicho eso’“.

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Aunque su denominación suene más exótica de lo que realmente es, entender el Motorik Beat no es complicado: es un ritmo repetitivo en compás 4/4 que parece imitar el andar constante de un motor encendido y sin sobresaltos. Su origen se remonta a la Alemania de fines de los años 60 y principios de los 70, cuando una generación de músicos buscaba romper con las estructuras rígidas del academicismo y la imitación anglosajona. En ese contexto, bateristas como Jaki Liebezeit (Can) y Klaus Dinger (Neu!) marcaron el rumbo.

En ese contexto, el Motorik se volvió la base sobre la que se edificaron formas nuevas de experimentación sonora. Lo utilizaron artistas y bandas que van desde Joy Division hasta Kraftwerk, pasando por David Bowie y LCD Soundsystem. Lejos de quedar fosilizado en la historia del krautrock, el Motorik Beat evolucionó y se mantuvo vigente gracias a su flexibilidad: podía sonar orgánico, tribal, mecánico y post-industrial, según quién lo tomara. Hoy en día, bandas contemporáneas lo retoman con una mezcla de reverencia y renovación.

A continuación, cinco discos clave para entender su historia.

Can – Soundtracks (1970)

El punto de partida. En este disco aparece “Mother Sky”, la pieza donde Jaki Liebezeit desarrolló por primera vez lo que luego sería conocido como el Motorik Beat. Con más de 14 minutos de duración, la canción gira sobre sí misma mientras avanza con intensidad. Soundtracks recopila composiciones que el grupo había hecho para películas experimentales, pero no es un disco menor sino todo lo contrario: es el primer testimonio del Motorik como lenguaje musical.

Neu! – Neu! (1972)

Klaus Dinger llevó el Motorik más allá. Su manera de tocar -a la que llamó Apache beat- puede escucharse en temas como “Hallogallo” y “Negativland”, dos piezas esenciales del debut de Neu!, dúo formado por ex miembros de Kraftwerk. Con producción de Conny Plank, el LP suena más crudo y orgánico que los trabajos de su ex banda. En Neu! hay krautrock, postpunk y ambient.

La Düsseldorf – Individuellos (1980)

Con el final de Neu!, Dinger volvió al frente con La Düsseldorf, proyecto que fusionó el pulso del Motorik con espíritu punk y una estética más electrónica. Individuellos, su tercer disco, es quizá el más futurista: temas como “Menschen 1” y una nueva versión de “Lieber Honig” suenan industriales pero siempre sostenidos por ese ritmo inquebrantable.

Stereolab – Transient Random-Noise Bursts With Announcements (1993)

En los 90, cuando el krautrock ya era conocido, Stereolab rescató el Motorik y lo puso en el centro de una nueva escena. Formados en Londres por Tim Gane y Laetitia Sadier, mezclaban minimalismo, pop francés, loops analógicos y guitarras distorsionadas. En este disco, el beat es protagonista: “Jenny Ondioline”, con sus casi 19 minutos, es un homenaje explícito al ritmo creado por Liebezeit y Dinger.

Motor!k – Motor!k 5 (2024)

El presente del Motorik se encuentra en Bélgica. Formado por miembros de dEUS y de Hypnos 69, Motor!k lleva cinco discos en su catálogo. Motor!k 5, editado en 2024, es una exploración instrumental austera, precisa y sin ornamentos. Temas como “Departure” y “Driving Mode” son un pulso repetitivo y de transición. A diferencia de sus antecesores, Motor!k elige no desviarse del camino por lo que cada pista es una variación casi matemática sobre una misma idea.

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Nacido en los márgenes de las escenas hardcore y metal a finales de los 80 y principios de los 90, el metalcore fue, desde su concepción, una propuesta de renovación. A diferencia de otras fusiones, esta combinación entre la brutalidad del metal y la ética DIY del hardcore punk encontró una fórmula efectiva, evolucionando con los años hacia formas cada vez más pulidas.

Si bien en sus primeros años las bandas apuntaban a una filosofía independiente, a comienzos del nuevo milenio el género vivió un auge comercial inédito. Con el surgimiento de sellos como Victory Records o Ferret Music y el impulso de las plataformas digitales, muchas bandas alcanzaron una popularidad que las llevó a los festivales más grandes del mundo.

Aunque actualmente el término metalcore se volvió una etiqueta que abarca diversas estéticas, hay nombres que se mantienen como pilares indiscutibles del género. A continuación, cinco bandas fundamentales para entender su evolución y permanencia.

Converge

Formados en 1990 en Salem, Massachusetts, son pioneros del metalcore moderno. Aunque sus primeras grabaciones muestran un punk/hardcore muy primitivo en la línea de bandas como Black Flag o Born Against, su cuarto álbum, Jane Doe (2001), es considerado por la crítica como una de las obras más influyentes del género por su fusión de hardcore, metal y estructuras experimentales del mathcore.

Killswitch Engage

Banda de Westfield, Massachusetts, formada en 1999. Su segundo disco, Alive or Just Breathing (2002), y el siguiente, The End of Heartache (2004) -con algunos cambios en su formación-, sentaron las bases del metalcore melódico, con una fórmula que combinaba riffs pesados, voces guturales y estribillos cantados.

Architects

Banda británica formada en Brighton en 2004. Su sonido se caracteriza por estructuras complejas, letras introspectivas y una fuerte carga política. Su disco All Our Gods Have Abandoned Us (2016) obtuvo reconocimiento por la densidad de su sonido y una producción moderna. Con For Those That Wish to Exist (2021) alcanzaron el puesto número 1 en las listas del Reino Unido.

Bullet For My Valentine

Formados en Gales en 1998 (originalmente como Jeff Killed John), debutaron con The Poison (2005), que vendió más de un millón de copias en los Estados Unidos. Su propuesta mezcla metalcore con influencias del heavy metal clásico y otros elementos melódicos. Son una de las bandas más exitosas del género en términos comerciales.

Bring Me the Horizon

Formados en Sheffield, Inglaterra, en 2004, comenzaron como una banda de deathcore con Count Your Blessings (2006), pero con Suicide Season (2008) y especialmente Sempiternal (2013) evolucionaron hacia un metalcore más accesible y experimental, incorporando electrónica, pop y elementos sinfónicos. Hoy son una de las bandas contemporáneas más importantes del género.

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