A 30 años del lanzamiento de Common People, Pulp sorprendió a sus fanáticos con «Got to Have Love», el segundo adelanto de More, su primer disco de estudio en 24 años, cuyo lanzamiento está previsto para dentro de dos semanas.

Producido por James Ford (Arctic Monkeys, Depeche Mode, Fontaines D.C.), More fue grabado tras la reunión de la banda y está dedicado a la memoria del bajista Steve Mackey, fallecido en 2023. El disco incluirá la ya presentada “Spike Island” y ahora suma este adelanto que eleva aún más las expectativas.

«Got to Have Love» fue estrenada en vivo en 2023, durante un show de Pulp en Brooklyn. Sin embargo, la canción se gestó originalmente en 1999, durante las sesiones previas al álbum We Love Life (2001), aunque nunca fue terminada. Ahora, y reimaginada en el presente, encontró su forma definitiva con una producción moderna y contemporánea.

El single fue publicado junto a un videoclip oficial, obra de Jarvis Cocker, quien lo concibió y editó personalmente. El clip está compuesto por imágenes de bailarines de Northern Soul extraídas del documental Wigan Casino (1977), dirigido por Tony Palmer. «Amo bailar y este es el mejor material de baile que he visto jamás”, comentó Cocker a través de una publicación de Instagram.

Escuchá «Got to Have Love» a continuación.

¿Qué se sabe de More?

Con More, Pulp se prepara para reinsertarse con fuerza en la escena musical actual, retomando el legado del britpop pero con una propuesta renovada. Con Ford en la producción, el disco tardó solamente tres semanas en grabarse, «la menor cantidad de tiempo que un álbum de Pulp ha tardado en grabarse”, según reveló el propio Coker en un comunicado (vía Pitchfork).

El primer adelanto del disco fue «Spike Island”, cuyo videoclip también fue dirigido por Cocker. El artista explicó que la pieza audiovisual es una exploración en torno a la inteligencia artificial, construida a partir de la intervención digital de imágenes tomadas por Rankin & Donald para el arte del legendario Different Class (1995).

«Introduje esas fotografías en una aplicación de IA para ver a dónde me llevaba la computadora”, contó Cocker. Sobre el proceso, confesó: «Ese fin de semana fue extraño: salía de casa y esperaba ver transformaciones raras en el entorno, como las que generaba la computadora. La experiencia me marcó. No sé si ya me recuperé…”, dijo.

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Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band es uno de los discos más icónicos de The Beatles. El octavo trabajo de la banda vio la luz en 1967 y se convirtió en una revolución para el rock, no solo porque presentó el punto álgido de experimentación de los Fab Four -que ya se venía gestando en discos anteriores- sino también por su peculiar portada.

La portada muestra a los miembros de los Beatles vestidos con trajes y en el rol de una agrupación ficticia, la banda de Sgt. Pepper. Este grupo está parado junto a lo que parece ser una tumba, la de The Beatles -un concepto que habría ideado Paul McCartney-.

Lo más llamativo de la tapa es la cantidad de personalidades que rodean a la banda: escritores, actores, científicos, líderes religiosos y músicos. Las figuras elegidas representan algunos de los gustos más patentes de los Fab Four -como Bob Dylan-, y otros que dan cuenta de una época.

Quiénes aparecen en la portada de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Entre los escritores que figuran en la tapa se cuenta Lewis Carroll, de quien los músicos eran fanáticos y cuya literatura circuló por las letras de The Beatles. Además, figuran los autores beat William Burroughs y Terry Southern. En lo que refiere al cine, algunos de los actores icónicos que se despliegan en la portada son Marlon Brando, Marilyn Monroe y Fred Astaire, entre otros.

La portada también incluye a Karl Marx, T. E. Lawrence -que inspiró el film Lawrence of Arabia– y también monjes y gurúes hindú. Además, hay personas anónimas y muñecos que no están identificados.

A continuación, la lista completa de las figuras que aparecen en la portada de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

• Sri Yukteswar Giri
• Aleister Crowley
• Mae West
• Lenny Bruce
• Karlheinz Stockenhausen
• W.C. Fields
• Carl Jung
• Edgar Allan Poe
• Fred Astaire
• Richard Merkin
• The Vargas Girl
• Huntz Hall
• Simon Rodia
• Bob Dylan
• Aubrey Beardsley
• Sir Robert Peel
• Aldous Huxley
• Dylan Thomas
• Terry Southern
• Dion DiMucci
• Tony Curtis
• Wallace Berman
• Tommy Handley
• Marilyn Monroe
• William S. Burroughs
• Sri Mahavatar Babaji
• Stan Laurel
• Richard Lindner
• Oliver Hardy
• Karl Marx
• H.G. Wells
• Sri Paramahansa Yogananda
• James Joyce
• Stuart Sutcliffe
• Max Miller
• A Petty Girl
• Marlon Brando
• Tom Mix
• Oscar Wilde
• Tyrone Power
• Larry Bell
• David Livingstone
• Johnny Weissmuller
• Stephen Crane
• Issy Bonn
• George Bernard Shaw
• H. C. Westermann
• Albert Stubbins
• Sri Lahiri Mahasaya
• Lewis Carroll
• T. E. Lawrence
• Sonny Liston
• A Petty Girl
• George Harrison
• John Lennon
• Shirley Temple x2
• Ringo Starr
• Paul McCartney
• Albert Einstein
• The Beatles
• Bette Davis
• Bobby Breen
• Marlene Dietrich
• Diana Dors

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Josh Freese es uno de los bateristas más importantes del rock contemporáneo, no solo por su virtuosismo sino también porque formó parte de algunas de las bandas más relevantes del género. Desde Devo hasta The Offspring, el músico de Florida ha demostrado su eclecticismo para adaptarse al rock alternativo, al punk y al rock de corte más clásico. Su más reciente trabajo fue junto a Foo Fighters, banda a la que ingresó en 2023 luego de la muerte de Taylor Hawkins y que, días atrás, lo despidió sin motivos.

En lo que respecta a su formación como músico, en una entrevista con Drum! reveló cuáles son sus grandes ídolos de la batería: Buddy Rich, Alex Van Halen, Steve Gadd y Vinnie Colaiuta. Sin embargo, hay dos que ocupan un lugar especial en su corazón: Frank Zappa y Terry Bozzio de Missing Persons.

Sobre Bozzio -quien tocó con el propio Zappa y colaboró con Luis Alberto Spinetta- expresó: «Me impresionó y me marcó un camino que aún sigo recorriendo. Era totalmente agresivo, pero tocaba con una delicadeza y musicalidad que nunca antes había visto ni oído. Tuvo un profundo impacto en mí y me cambió para siempre. No sería el baterista que soy hoy si no hubiera descubierto a Bozzio cuando tenía 11 años«.

Las razones por las que Josh Freese ya no forma parte de Foo Fighters

Freese, quien desde 2023 ocupaba el lugar detrás de la batería en Foo Fighters, anunció la semana pasada que había sido despedido. En su comunicado, cargado de humor e ironía, reveló que no le dieron un motivo y anticipó que haría un listado con las «10 posibles razones” por las que podría haber sido apartado del grupo. Luego, ese listado llegó.

Las 10 razones por las que habrían echado a Josh Freese según Josh Freese

• 10. «Una vez silbó ‘My Hero’ durante una semana entera de gira».
• 9. «Solo pudo nombrar una canción de Fugazi».
• 8. «Dos palabras: polirritmia».
• 7. «La precisión metrónoma detrás de la batería se consideraba ‘sin alma’».
• 6. «Exigía comenzar cada ensayo con un baño de sonido de 20 minutos con cencerro».
• 5. «Nunca intentó dejarse barba».
• 4. «No se presentó al estudio porque Mercurio estaba retrógrado».
• 3. «Le prometió a Noodles (guitarrista de The Offspring) que podría ser el cuarto guitarrista».
• 2. «Se negó a tocar a menos que le garantizaran una tabla ouija y nunchakus después de cada show».
• 1. «Todo el asunto del caniche se estaba volviendo demasiado».

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Es imposible pensar al heavy metal sin solos de guitarra, ya que es ahí donde el género encontró una de sus máximas expresiones de poder. Más que una mera muestra técnica, un buen solo condensa las intenciones de una banda, hace que una canción destaque y deje huella en generaciones de fanáticos amantes del headbanging.

Ya sea por su velocidad desenfrenada, melodía hipnótica o fuerza desgarradora, estos momentos instrumentales lograron trascender su tiempo y siguen inspirando a violeros de todo el mundo. Por eso, hoy reunimos cinco solos que definieron épocas y marcaron un antes y un después en la historia del metal.

Judas Priest – «Painkiller» (interpretado por Glenn Tipton)

Este solo es una verdadera descarga de energía. Glenn Tipton combina velocidad, técnica y una ejecución casi quirúrgica que complementa a la perfección la brutalidad del tema.

Megadeth – «Holy Wars… The Punishment Due» (interpretado por Marty Friedman)

Esta obra maestra del LP Rust in Peace (1990) destaca por su complejidad compositiva. El solo de Marty Friedman mezcla escalas orientales con una agresividad técnica que se convirtió en un estándar del thrash metal.

Ozzy Osbourne – «Mr. Crowley» (interpretado por Randy Rhoads)

Incluido en Blizzard of Ozz (1980), este track presenta dos solos memorables. Randy Rhoads aporta un dramatismo y una elegancia poco comunes en el género.

Metallica – «Fade to Black» (interpretado por Kirk Hammett)

Publicada en Ride the Lightning (1984), esta balada pesada tiene un solo cargado de sentimiento. Kirk Hammett logra traducir la desesperanza del track en una ejecución melódica que va creciendo hasta estallar. Fue una de las primeras canciones lentas de la banda.

Deep Purple – «Child in Time» (interpretado por Ritchie Blackmore)

Aunque no siempre clasificado estrictamente como metal, este tema de Deep Purple in Rock (1970) contiene uno de los solos más influyentes del género. Ritchie Blackmore despliega un solo extenso y emocional que influenció a generaciones de guitarristas.

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En 1975, Queen lanzó A Night at the Opera, un álbum que consolidó su estatus en la historia del rock. Entre sus pistas se encuentra «Love of My Life«, una balada compuesta por Freddie Mercury que supo conmover a generaciones gracias a su letra emotiva. Esta canción guarda una historia profundamente personal, dado que fue escrita para Mary Austin, el gran amor de la vida de Mercury y su por aquel entonces novia.

Freddie conoció a Mary en 1969, cuando ambos trabajaban en una tienda de ropa en Kensington, Londres. Ella tenía 19 años y él 24. Lo que comenzó como una historia romántica no tardó mucho en convertirse en un vínculo inquebrantable. Vivieron juntos varios años y, aunque su relación de pareja terminó en 1976, su conexión trascendió lo sentimental. “Todos mis amantes me preguntaron por qué no podían reemplazar a Mary. Es simplemente imposible. Es mi única amiga y no quiero a nadie más”, dijo Mercury.

Compuesta casi en su totalidad por Freddie en el piano, la versión de estudio incluye un delicado arreglo de arpa grabado por Brian May, quien tocó las notas por separado para construir la armonía. Sin embargo, fue en los conciertos en vivo donde la canción alcanzó su máximo esplendor: durante las giras del grupo en Sudamérica, Mercury solía dejar que el público cantara casi toda la canción.

Mary Austin estuvo al lado de Freddie hasta sus últimos días. Además, en su testamento el músico le dejó su mansión, su fortuna y los derechos de muchas de sus creaciones. “Love of My Life” no solo continúa siendo uno de los himnos románticos más potentes del siglo XX, sino también un testimonio musical de un amor que, aunque cambió de forma, nunca se apagó.

Las canciones más pegadizas de Queen

«Love of My Life» no se encuentra entre las mejores obras de Queen de acuerdo a lo determinado por científicos escoceses. Según un estudio, hay tres grandes hits de Queen entre los más pegadizos de la historia: «We Are the Champions», “Bohemian Rhapsody” y «We Will Rock You», la mejor según la ciencia.

«We Are The Champions», perteneciente al disco News of the World (1977), es una canción que inspira a la grandeza, que con el coro de sus estribillos y la emotividad expresa la grandiosidad que caracterizaba a la banda, mientras que sus estrofas contienen el aspecto más primigenio que pondera el piano y la voz.

En una entrevista de 2011 con Classic Rock, May expresó lo que esta canción genera cuando la toca en vivo, tanto en él como en la audiencia: «No sé cuántas veces la he tocado. Pero siempre saca algo de uno. Es una de esas canciones en las que, incluso si el viento está soplando en la dirección equivocada, aún suena bien».

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A finales de 1965, en pleno auge creativo y mientras transicionaban de una banda pop que cantaba sobre los clichés de las relaciones a una de rock experimental que rompía las reglas de la música, The Beatles lanzaron “We Can Work It Out”, una canción que no sólo reflejó el talento de la dupla conformada por Paul McCartney y John Lennon, sino que también marcó un récord técnico para el grupo.

Lanzada como sencillo junto a “Day Tripper” el 3 de diciembre de 1965, fue la pieza que más tiempo les tomó grabar. Para dar con el resultado final de “We Can Work It Out”, se necesitaron de dos días y unas intensas 11 horas de trabajo en el estudio junto al productor George Martin, una cifra significativa considerando que hasta entonces los Beatles solían grabar sus temas en sesiones mucho más breves.

“We Can Work It Out” es una de las colaboraciones más simbólicas entre McCartney y Lennon, en la que ambos dejaron impresa su personalidad con claridad: mientras que Paul aportó el núcleo melódico y el mensaje optimista del estribillo, centrado en la reconciliación y la esperanza, John introdujo el contraste sombrío del puente, con una óptica más filosófica y pesimista del conflicto.

En su biografía oficial Many Years From Now, Macca recordó:

“Las letras podían ser personales. Es, usualmente, una buena manera de hablar con alguien o expresar tus pensamientos. Te ahorra ir al psiquiatra ya que te permites decir aquello que no puedes decir en persona. Yo tenía la idea, el título, un par de versos y lo básico de la canción, después se la di a John para que la finalice y escribimos el puente juntos. Luego fue idea de George que el puente tenga el compás de un vals alemán. Eso surgió en el estudio, fue uno de esos casos en los que el arreglo se hizo en la sesión”.

Lennon, en conversaciones con David Sheff en 1980, declaró: “Paul hizo la primera parte, yo hice el puente, pero después lo tienes a él escribiendo ‘We can work it out/ We can work it out’ de manera muy optimista, ya sabes, y yo, impaciente, ‘Life is very short and there’s no time/ for fussing and fighting, my friend’”.

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Una tarde en la plaza, una película, los animales del zoológico y sangría para tomar. Así de simple y así de perfecto. Lou Reed canta en «Perfect Day” con una serenidad casi ingenua, como si estuviera narrando un capítulo perdido de una comedia romántica. «Oh, it’s such a perfect day / I’m glad I spent it with you”, repite con voz grave e impasible. Pero bajo la superficie de esta aparente postal de amor, se esconde algo más turbio, más profundo, más Reed.

¿De qué trata realmente «Perfect Day» de Lou Reed?

Incluida en Transformer (1972), el disco que produjo David Bowie con arreglos de Mick Ronson, «Perfect Day” es uno de los momentos más ambiguos y desconcertantes de la carrera del exlíder de The Velvet Underground. Lo que parece ser una celebración de la vida y del amor, se revela como una confesión introspectiva, una súplica envuelta en melancolía. El quiebre llega sin aviso, casi al final: «You made me forget myself / I thought I was / Someone else, someone good». Ahí la imagen idílica se resquebraja. Ya no hay plaza, ni película, ni compañía: solamente un hombre enfrentando su propia sombra.

Según la biografía Transformer: The Lou Reed Story de Victor Bockris, la letra alude tanto a la relación de Reed con Bettye Kronstad -su primera esposa- como a sus conflictos internos: su sexualidad, el uso de drogas y su relación con la fama y el ego. Sin embargo, el propio Reed rechazó siempre la lectura de que “Perfect Day” fuera una metáfora sobre la heroína. «Es una canción hermosa. Describe una relación muy simple”, declaró en 1973 a NME. Pero en Lou Reed lo simple nunca es solo simple.

El cierre de la canción -una repetición inquietante del versículo bíblico «Cosecharás lo que siembras” (Gálatas 6:7)- introduce una nota de fatalismo que contrasta con la ligereza y la ingenuidad inicial. Se constituye como un recordatorio sombrío. Reed no necesita levantar la voz para advertirnos que la amenaza está en la calma.

Una versión colaborativa a beneficio

Veinticinco años después, en 1997, «Perfect Day” revivió con una versión coral organizada por la BBC a beneficio de Children In Need. Reed fue el anfitrión de un elenco tan ecléctico como impresionante: Bowie, Elton John, Suzanne Vega, Bono, Emmylou Harris, Shane MacGowan, Tom Jones, Laurie Anderson y muchos más prestaron sus voces en una interpretación colectiva que recorrió todos los matices emocionales del tema. Fue número uno durante tres semanas en el Reino Unido y recaudó más de dos millones de libras para la causa.

«Perfect Day” es una trampa dulce. Su melodía y su candidez son solo la fachada de un drama existencial encapsulado en tres minutos de belleza escondida. Es una canción que dice una cosa y murmura otra, que finge simpleza para hablar de la pérdida, el deseo y la redención imposible. En el universo de Reed, hasta el día más perfecto tiene una sombra al acecho.

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Por décadas, Brian May fue sinónimo de virtuosismo en la guitarra. Arquitecto sonoro de Queen, su forma de tocar y ese inconfundible sonido forjado con una guitarra construida junto a su padre influyó a generaciones enteras de guitarristas, desde Steve Vai hasta Justin Hawkins. Sin embargo, incluso los dioses de la guitarra tienen sus debilidades.

En News of the World, el álbum de 1977 con el que Queen se apartó de los paisajes sinfónicos de A Night at the Opera para abrazar la energía del hard rock, May se atrevió a experimentar con una técnica que pronto se volvería uno de los emblemas del rock ochentero: el tapping. Aunque Eddie Van Halen se llevaría la gloria por popularizarla, May ya había incursionado en ella antes aplicándola en el solo de «It’s Late», una poderosa gema semioculta dentro del repertorio de Queen.

Pero lo que fue una hazaña en estudio resultó ser un desafío en vivo. «Fue un problema hacerlo en el escenario«, confesó May en una entrevista de 1982. «Me resultaba un poco rígido… Si hubiese insistido, probablemente se habría vuelto algo natural, pero no era un camino que me llevara muy lejos. Me parecía un poco truculento”.

La técnica de tapping -que consiste en usar ambas manos para martillar el diapasón creando líneas melódicas vertiginosas- no era del todo nueva. Steve Hackett de Genesis afirmaba haberla introducido en el rock progresivo ya en 1971. May admitía habérsela apropiado tras ver a un guitarrista tejano que, a su vez, aseguraba haberla tomado prestada de Billy Gibbons de ZZ Top.

Aunque May no convirtió el tapping en un sello propio como sí lo haría Van Halen, su incursión en esa técnica en «It’s Late» demuestra su inquietud creativa y su apertura a nuevas formas de expresión, incluso cuando eso significaba lidiar con su propia incomodidad sobre las tablas.

La canción más subestimada de Queen según May

Queen fue responsable de una serie de éxitos que dejaron una huella imborrable en la historia del rock. Sin embargo, entre estos himnos, hay composiciones que, a pesar de su complejidad y profundidad, no han recibido el reconocimiento que merecen. Una de ellas es “The Prophet’s Song”, obra que May considera una de las más subestimadas del repertorio de la banda.

Incluida en el álbum A Night at the Opera de 1975 -el mismo del que formó parte “Bohemian Rhapsody”-, es una pieza de ocho minutos que explora territorios del rock progresivo y experimental, y que May desearía que hubiera tenido mucho más éxito.

En una entrevista con MusicRadar de 2023, el guitarrista británico dijo: “Hay un millón de cosas que desearía que hubieran recibido más atención. Supongo que ‘The Prophet’s Song’ prevalece más. Solo unas pocas personas que están muy metidas en las profundidades de Queen a lo largo de los años son realmente conscientes de lo que significa ‘The Prophet’s Song’”. 

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