El mundo del rock está lleno de artistas legendarios, himnos inolvidables, sexo, drogas y, por supuesto, drama interno. Detrás de cada histórica banda se esconde un amplio registro de tensiones, egos enfrentados, diferencias creativas y, en casos extremos, expulsiones que marcaron el rumbo de sus caminos. En ocasiones, el público solo se entera cuando un nuevo rostro aparece en el escenario o en los créditos del disco; otras veces, los despidos se convierten en episodios públicos, polémicos y que hasta son llevados ante la justicia y no hacen más que alimentar los titulares durante semanas.

A lo largo de los años, grupos como The Fall no le escaparon al cambio y hasta se volvieron famosos por modificar su alineación con cada álbum. Otros, como Fleetwood Mac o Guns N’ Roses, también atravesaron numerosas salidas y regresos, a menudo en medio de escándalos o disputas legales. Sin embargo, una banda destaca entre todas por su historial de despidos directos y sin vueltas: AC/DC. El conjunto australiano de hard rock no solo dejó una marca indeleble en la historia del género con su sonido crudo y eléctrico, sino que también es dueño de una singular marca: es la banda que más miembros expulsó de manera oficial a lo largo de su carrera.

Una formación con muchos cambios

Desde sus inicios en 1973 hasta la actualidad, AC/DC despidió al menos a seis músicos, sin contar los que abandonaron por cuenta propia. El primero en irse fue el baterista Colin Burgess, quien fue echado tras desmayarse en el escenario por estar intoxicado. En 1975, el bajista Rob Bailey y el baterista Peter Clack también fueron despedidos, seguidos por Paul Matters, cuyo paso por el grupo fue breve por desacuerdos con los hermanos Malcolm y Angus Young.

Mark Evans, bajista entre 1975 y 1977, fue otro de los que fue obligado a dar un paso al costado por «diferencias musicales». Incluso Phil Rudd, uno de los integrantes más longevos de AC/DC, fue despedido en 1983, durante la grabación de Flick of the Switch. Rudd fue parte de la cara más reconocida del grupo: los hermanos Young en las guitarras, Brian Johnson en la voz, Cliff Williams en el bajo y él en la batería. Tras ser reemplazado por Simon Wright desde 1983 hasta 1988 y por Chris Slade entre 1989 y 1994, volvió a mediados de los 90.

Por su parte, Angus es el único miembro de AC/DC que está desde la fundación del conjunto, habiendo pasado por todos los cambios de alineación, disfrutando de los éxitos y sufriendo los momentos malos de la legendaria banda de hard rock.

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Dentro del amplio catálogo musical de The Beatles hay cientos de canciones, pero pocas lograron tener tanto éxito y popularidad como «While My Guitar Gently Weeps«. Escrita y cantada por George Harrison, la pista es una de las creaciones más íntimas y reflexivas de los Fab Four y cuenta con el único solo interpretado por una persona externa al grupo: Eric Clapton, íntimo amigo de Harrison.

Publicada en 1968 como parte del White Album, la pista no solo destaca por su poderosa carga emocional sino también por la filosofía oriental que inspiró su creación. Harrison, conocido por su interés en la espiritualidad y la cultura oriental, encontró en el I Ching (el Libro de los Cambios), un concepto que lo cautivó: la idea de que no existen las coincidencias, que todo ocurre con un propósito determinado.

“Escribí ‘While My Guitar Gently Weeps’ en la casa de mi madre, en Warrington”, recordó Harrison en Anthology. “Estaba pensando en el I Ching, el Libro de los Cambios… La idea oriental de que todo lo que sucede está destinado a suceder, que no existen las coincidencias y cada pequeño detalle tiene un propósito”.

“La canción fue un estudio simple basado en esa teoría. Decidí escribir un tema basado en lo primero que viera al abrir cualquier libro, como si eso estuviera vinculado al momento presente. Tomé un libro al azar, lo abrí, leí ‘gently weeps’ (llora dulcemente), lo dejé y empecé a escribir la pista”, agregó el legendario violero.

El rol de Eric Clapton

En relación a la colaboración del cuarteto de Liverpool con Clapton, Harrison explicó: “Intentamos grabarla pero John [Lennon] y Paul [McCartney] estaban muy acostumbrados a producir sus tracks uno detrás del otro y cuando se trataba de una canción mía no se lo tomaban en serio. Así que me fui a casa esa noche pensando: ‘Bueno, es una lástima’, porque sabía que la pista era realmente buena».

«Al día siguiente estaba manejando hacia Londres con Eric Clapton y dije: ‘¿Qué tienes que hacer hoy? ¿Por qué no vienes al estudio y tocas algo para mí?’”. La reacción de Clapton no fue la esperada y Harrison recordó sus palabras luego de la propuesta: “Dijo ‘Oh, no – no puedo hacer eso. Nadie antes tocó en una canción de los Beatles y a los demás no les va a gustar’. Yo dije, ‘mira, es mi tema y me gustaría que toques en él’”.

Finalmente, Harrison convenció a su colega y lo llevó al estudio, lo que generó que Lennon y McCartney cambiaran su actitud. “Él entró y yo dije: ‘Eric va a tocar en esta canción’, y fue algo bueno porque eso hizo que se comportaran mejor. Paul se puso al piano y tocó una linda entrada y todos se lo tomaron más en serio”.

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En una actualidad donde los solos de guitarra pasaron a un segundo plano, siendo acortados y editados -en muchos casos- para no incomodar al algoritmo ni a la atención volátil del oyente moderno, todavía queda una reliquia de otra era. Un solo de guitarra que desafió al tiempo, a la industria y a los cánones actuales de modestia. El más vendido. El más reproducido. El más recordado.

Durante los años 70, la guitarra eléctrica no era un mero instrumento; era un arma de expresión. Mientras el vocalista seducía, el guitarrista se preparaba en silencio para atacar. Y cuando el solo llegaba, todo lo demás desaparecía. En ese contexto nació una pieza que, más de medio siglo después, sigue reinando.

Aunque a lo largo de la vasta historia del rock el género vio pasar algunos solos de guitarra inolvidables como el de “Bohemian Rhapsody” de Queen o el relámpago sonoro de AC/DC en «Thunderstruck”, hay uno en particular que trascendió en el tiempo y logró consagrarse como el más vendido de toda la historia: el de “Stairway to Heaven” de Led Zeppelin.

Con 37 millones de copias vendidas en todo el mundo y más de mil millones de reproducciones, el himno de Led Zeppelin no solo definió una era: la selló para siempre. El solo, improvisado en el estudio y muchas veces mutado en las presentaciones en vivo, se convirtió en una especie de criatura con vida propia. No estaba escrito ni estructurado: fluía, cambiaba y respiraba.

Jimmy Page revela cómo lo hizo

«Simplemente dije: ‘Dale play’, tomé una respiración profunda -es lo que suelo hacer- y me mandé”, explicó el músico en una entrevista recuperada por Far Out Magazine. “Lo intenté un par de veces, porque no tenías tantas opciones como ahora. Pensé cómo iba a entrar, las dos o tres primeras notas, pero después de eso no lo planeé, simplemente lo toqué”.

Como si fuera poco, el músico agregó: “Está improvisado tanto como lo hubiera estado en cualquiera de los shows en vivo. Después de que la versión de estudio quedó grabada, el solo en vivo se mantenía en una línea similar, pero nunca era exactamente igual. Lo cambiaba constantemente, lo mutaba, como hacíamos con todas las canciones”.

Finalmente, concluyó: «Eso no significa que alguna vez haya superado el de la grabación. Es lo que es, y se nota que simplemente está volando. No es un solo forzado, no es algo trabajado, escrito y leído; es más como un fluir de conciencia”.

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La inspiración para un músico o banda puede provenir de muchos lugares, incluso de otros artistas. A veces no se trata de un sonido en particular o un estilo musical sino de una manera de componer o expresar ideas que hacen que uno diga «quiero hacer lo mismo» o «no pensé que se podía escribir así». Quien puede dar fe de esto es Brandon Flowers, líder de The Killers, quien recientemente habló de lo que significa Bruce Springsteen para él.

Flowers fue homenajeado en los Ivor 2025 por Springsteen, quien le dedicó un emotivo discurso. «La primera vez que escuché a The Killers y canciones de Brandon Flowers pasaba por la habitación de mi hijo Evan, que estaba en el instituto. Pasaba por allí y la canción que escuchaba a través de su puerta me detuvo. Asomé la cabeza y pregunté: ‘¿Quiénes son?’, y él dijo: ‘Son The Killers, papá’», dijo The Boss.

Springsteen prosiguió su discurso alabando al grupo, recordando que la canción «Somebody Told Me» se le quedó pegada por días y que con el tiempo fue quedando más y más maravillado por su trabajo. «Brandon tiene una de las voces más hermosas y puras del rock and roll; son simplemente uno de los mejores grupos en vivo del momento. Tienen un bajo genial con ese toque de electro-pop que hace bailar a la gente. ¡Tengo que descifrar eso! ¡Te quiero, Brandon!», cerró.

Tras el reconocimiento, Flowers habló con NME de su amor por Springsteen y lo emocionado que quedó luego de semejante discurso y honor. Fue ahí cuando reveló lo que más lo inspiró de «El jefe» a la hora de componer: «Bruce me permitió escribir sobre cosas que realmente conozco y experiencias que he presenciado y vivido. Hay algo poderoso en eso. Cuando la gente lo escucha, sin importar dónde esté, lo capta y le llega al corazón y al alma. Esas son las cosas con las que puedo conectar«.

El vínculo entre The Killers y Bruce Springsteen

Esta no es la primera vez que Springsteen habla de su admiración por The Killers. En 2020, y como bien recuerda NME, dijo que eran «una banda increíble» en una charla con el propio Flowers: «Hace poco, cuando los vi, quizá fuera en Glastonbury, la banda estuvo buenísima. Han creado un espectáculo en vivo increíble. Es algo de lo que estar realmente orgulloso».

Luego, la banda y el músico colaboraron en «Dustland», una versión del tema de The Killers «A Dustland Fairytale» que formó parte del álbum Day & Age (2008). En octubre de 2022, Springsteen hizo una aparición sorpresa en el concierto de The Killers en el Madison Square Garden, donde interpretaron su colaboración, además de sus éxitos «Badlands» y «Born To Run». En 2023, durante su presentación en el Sea.Hear.Now Festival de Nueva Jersey, The Killers sorprendió a sus fanáticos al interpretar «I’m On Fire» de Springsteen.

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Billy Joel no se encuentra en un buen momento de salud. El músico, que en marzo de este año anunció que se tomaría un descanso de las giras por una «condición médica» que necesitó cirugía y fisioterapia, volvió a hacer un anuncio, aunque esta vez con un diagnóstico preciso. Joel planeaba regresar a los escenarios el 5 de julio en Pittsburgh (Pensilvania), pero acaba de cancelar todos los shows que tenía programados debido a un diagnóstico reciente de hidrocefalia normotensiva (HNT).

Según reportaron desde el equipo de Joel, “esta afección se agravó con sus recientes conciertos, lo que le provocó problemas de audición, visión y equilibrio«. Y agregaron: «Siguiendo las indicaciones de su médico, Billy se somete a fisioterapia específica y se le ha recomendado no actuar durante su recuperación». Por su parte, el músico dijo: “Lamento sinceramente decepcionar a nuestro público. Les agradezco su comprensión”.

La hidrocefalia normotensiva (HNT) es un trastorno cerebral en el que se acumula un exceso de líquido cefalorraquídeo en los ventrículos cerebrales. Este trastorno puede afectar diversas capacidades cerebrales, como el pensamiento y la concentración, la memoria y el movimiento, y aunque sus síntomas son muy similares a los de la demencia, esta enfermedad puede revertirse.

Como reporta Rolling Stone, el último concierto de Joel fue el 22 de febrero en el Mohegan Sun Arena de Uncasville, Connecticut. Según se puede ver en los videos publicados en internet, casi al final del show el artista cayó de espaldas tras lanzarle el pie del micrófono a un miembro del equipo. Sin embargo, se levantó y terminó la actuación como si nada hubiera pasado.

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Después de años de mantenerlo en la intimidad, Santiago Motorizado decidió compartir el primer adelanto de su nuevo disco solista, que llegará a fines de junio. La canción es «Google Maps”, una balada melancólica y despojada que crece en intensidad emocional sin perder la contención ni la ternura que lo caracterizan.

“No me acuerdo si era Banfield, Turdera o Castelar”, canta con su voz desnuda sobre una guitarra acústica, antes de entregarse a un estribillo que repite como un mantra: “¿Dónde estás? ¿Dónde estás? ¿Dónde estás?”. Con una mezcla de desorientación, deseo y dulzura, Santiago vuelve a cartografiar el amor desde el conurbano, con una brújula afectiva afinada por la nostalgia pop.

Para los seguidores más fieles esta canción no es del todo nueva. Circula en YouTube desde hace más de una década bajo el nombre «Google Earth», como parte de un disco no oficial de demos acústicos. Grabado de forma casera durante varias noches solitarias, ese material fue un refugio íntimo que marcó a miles de oyentes.

Hoy, Santiago no solo recupera ese repertorio: lo resignifica. Decidió grabar esta y otras canciones -algunas conocidas, otras completamente nuevas- en los estudios Sonic Ranch, en Texas, junto a los hermanos Felipe y Tom Quintans y el reconocido productor Eduardo Bergallo.

Se viene una sorpresa para los fanáticos

La campaña de lanzamiento comenzó el pasado lunes 19 con un sistema de pre-save en Spotify. Quienes lo completen acceden a un mapa interactivo con coordenadas específicas y fechas marcadas. En esos puntos del conurbano bonaerense, Santiago estará esperando este viernes 23 con una sorpresa especial para quienes se acerquen. «Venite a tomar unos mates conmigo», dice el músico a través de un mensaje en la app, junto a tres locaciones diferentes: la estación de tren de Castelar, la estación de tren de Banfield y la estación de tren de Turdera.

Escuchá «Google Maps» a continuación o en plataformas (Spotify, Tidal, Apple Music).

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