A la hora de crear música, muchas canciones son el resultado de horas de arduo trabajo, mientras que otras resultan de manera “accidental”. Tal es el caso de “Back Off Boogaloo”, el track de RingoStarr. Co-escrito junto a GeorgeHarrison y lanzado como un single en 1972, el tema lleno de glamour fue inspirado por Marc Bolan, amigo de Starr.
Una noche, durante una cena en la casa de Starr en las afueras de Londres, en 1971, Bolan había usado la palabra «boogaloo» con tanta frecuencia que se quedó grabada en la mente del exBeatle. Después de eso, el ritmo y la melodía de la canción le llegaron de la noche a la mañana.
Marc Bolan de T. Rex – Foto: Tom Hanley
Al hablar sobre la composición en VH1 Storytellers en mayo de 1998, el baterista explicó: “[Bolan] era un tipo lleno de energía. Solía hablar: ‘Atrás, boogaloo… ooh tú, boogaloo’. ‘¿Quieres patatas?’ ‘¡Ooh tú, boogaloo!’». Como parte de la entrevista, Starr admitió que el track surgió tras un afortunado error.
«‘Back Off Boogaloo’ es un ejemplo increíble de cómo los accidentes a veces son fabulosos al crear una canción«, comentó. «George quería que yo tocara ese patrón en el bombo, pero el problema es que no soy tan eficiente como baterista. No puedo ir [imita un ritmo] y tocar de manera regular. Así que comencé a hacerlo en un redoblante y funcionó de maravilla. Fue algo inesperado”.
Dave Rowntree, baterista de Blur, tiene un nuevo libro entre manos que todo fan de la banda británica querrá tener. Se trata de No One You Know: Dave Rowntree’s Early Blur Photos, más de200 páginas de imágenes que registran el ascenso a la fama del grupo y será publicado el 9 de septiembre de este año.
El baterista y fotógrafo tomó su cámara Olympus OM-10 para registrar el crecimiento de Blur, desde sus años formativos hasta su ascenso a la fama mundial. En el libro hay cientos de imágenes de Damon Albarn, Graham Coxon y Alex James por fuera de los escenarios, detrás de escena, pasando el rato en bares, viajando, etc.
En diálogo con NME, Rowntree explicó que tomó más de 1000 fotos en el curso de algunos años: «Si la banda trabajaba, yo trabajaba. Todas las demás fotos que hay son de la banda haciendo sesiones de fotos, sesiones para revistas, en el escenario. Yo tengo lo demás: pasando el rato, viajando, antes y después de los conciertos, y solo cuatro hombres de veintitantos años entusiasmados con todo lo que está pasando«.
Blur en sus primeros años. Foto: Dave Rowntree.
Rowntree habló del futuro de Blur
Además de analizar su libro y lo que lo llevó por este camino fotográfico, Rowntree se refirió al futuro de Blur. Cabe recordar que en 2023 la banda volvió con un nuevo disco, The Ballad of Darren, y una gira que los tuvo por Argentina en el marco del Primavera Sound 2023. Aunque ese show se sintió a despedida, podría no haber sido el fin.
«Acabo de cumplir 61 años. Cuando tenía 21, la idea de que gente de 61 años grabara álbumes, hiciera giras y estuviera en las listas de éxitos habría sido ridícula. Me pregunto si así es como se sienten los de 21 años ahora. Llegará un momento en que seamos demasiado viejos para hacerlo, pero probablemente habremos decidido tirar la toalla antes de todas formas. Nadie quiere seguir adelante después de su fecha de caducidad» comentó el baterista. Entonces… ¿hay futuro o no?
Foto: Dave Rowntree.
«Hace falta una idea interesante para que volvamos al estudio. La última fue el estadio de Wembley [en 2023]. Era imposible negarse. Fue la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de 2012 la que nos juntó antes, y previamente los conciertos en Hyde Park de 2009. Mientras la gente siga aportando ideas interesantes para que lo volvamos a hacer, seguro que lo haremos» afirmó, dándole esperanzas a los fans.
Y agregó: «Llegará un momento en que nos preguntaremos: ‘¿Queda algo más por decir? ¿Hay otro buen álbum de Blur por hacer?’. Creo que falta mucho para que no podamos recordar las canciones cuando nos lleven en nuestras sillas de ruedas. Pero, bueno, mira a los Rolling Stones: siguen de gira, ¿no?». Por ahora no hay planes en el horizonte, pues cada uno de los miembros tiene sus agendas llenas, tanto para este año como para el próximo.
El libro No One You Know: Dave Rowntree’s Early Blur Photos se puede pre-ordenar en este enlace.
Josh Freese, quien desde 2023 ocupaba el lugar detrás de la batería en Foo Fighters, anunció la semana pasada que había sido despedido. En su comunicado, cargado de humor e ironía, reveló que no le dieron un motivo y anticipó que haría un listado con las «10 posibles razones” por las que podría haber sido apartado del grupo. Ahora, ese listado llegó.
Con una trayectoria de más de 40 años en la industria musical y una agenda siempre activa como baterista freelance, Freese aseguró no estar enojado aunque sí «un poco sorprendido y decepcionado”. Ahora, y a modo de catarsis, publicó una lista con 10 posibles motivos que podrían explicar su despido. Algunas de sus razones mezclan referencias técnicas, ironía y guiños internos.
Las 10 razones por las que habrían echado a Josh Freese según Josh Freese
10. «Una vez silbó ‘My Hero’ durante una semana entera de gira».
9. «Solo pudo nombrar una canción de Fugazi».
8. «Dos palabras: polirritmia».
7. «La precisión metrónoma detrás de la batería se consideraba ‘sin alma’».
6. «Exigía comenzar cada ensayo con un baño de sonido de 20 minutos con cencerro».
5. «Nunca intentó dejarse barba».
4. «No se presentó al estudio porque Mercurio estaba retrógrado».
3. «Le prometió a Noodles (guitarrista de The Offspring) que podría ser el cuarto guitarrista».
2. «Se negó a tocar a menos que le garantizaran una tabla ouija y nunchakus después de cada show».
1. «Todo el asunto del caniche se estaba volviendo demasiado».
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Un despido que tomó por sorpresa al propio Freese
En mayo de 2023, a más de un año de la muerte de Taylor Hawkins, los Foo Fighters anunciaron a Freese como el nuevo baterista. El músico ya tenía una vasta experiencia en el ambiente, pues tocó para artistas y bandas como Guns N’ Roses, A Perfect Circle, Devo, Nine Inch Nails, The Offspring, Sting, Weezer y más.
La semana pasada, en sus redes, Freese comunicó la noticia de esta manera:
«Los Foo Fighters me llamaron el lunes por la noche para decirme que habían decidido ir en otra dirección. No me dieron una razón. En cualquier caso, disfruté los últimos dos años con ellos, tanto dentro como fuera del escenario, y apoyo lo que consideren mejor para la banda. En mis 40 años como baterista profesional, nunca me han despedido de una banda, así que, aunque no estoy enojado, sí un poco sorprendido y decepcionado. Pero como la mayoría de ustedes saben, siempre he trabajado como freelance y he estado cambiando de banda, así que estoy bien. Estén atentos a mi lista de las ’10 posibles razones principales por las que Josh fue expulsado de los Foo Fighters’».
Foto: @andiktaylor & Jack Ellis / Instagram de Foo Fighters.
Los Foo Fighters vuelven a los escenarios sin Freese
Después de más de un año sin tocar en vivo, los Foo Fighters confirmaron su esperado regreso: la banda se presentará el 4 de octubre de 2025 en el marco del Grand Prix de la Fórmula 1 de Singapur. Este será su primer show desde agosto de 2024, marcando así el fin de un prolongado distanciamiento de los escenarios que había dejado en suspenso a sus fanáticos.
El concierto tendrá lugar luego de las rondas clasificatorias de la F1 y contará también con las presentaciones de Crowded House y Alan Walker. Será parte de un fin de semana repleto de música en Marina Bay: el día anterior actuarán G-Dragon y CL, mientras que Elton John y The Smashing Pumpkins encabezarán la jornada del domingo, coincidiendo con la carrera.
Recientemente, la banda también anunció una breve serie de presentaciones en Asia para el mes de octubre. Tras su paso por el Gran Premio de Fórmula 1, Grohl y compañía se presentarán el 2 de octubre en Indonesia, y los días 7 y 10 de octubre en Japón, en las ciudades de Tokio y Osaka, respectivamente.
Mark Hoppus, bajista de Blink-182, está presentando su nuevo libro de memorias Fahrenheit-182, un raconto de su vida en la industria musical, el impacto que tuvo con su banda y los desafíos personales que tuvo que superar, por ejemplo un cáncer. En estas páginas, el músico también vuelve en el tiempo para hablar de la rivalidad que tuvieron con Green Day, sobre todo en 2002, cuando compartieron el tour Pop Disaster.
En diálogo con NME, Hoppus rememoró aquellas épocas y esa especie de competencia que se generó entre los grupos. «Fue muy extraño porque crecí escuchando a Green Day. Literalmente hice fila para comprar Dookie el día que salió. Era un gran fan, y luego estuvimos de gira con ellos, pero fue extraño que Green Day estuviera en decadencia y Blink estuviera en ascenso. Nos anunciaban como co-cabezas de cartel, pero Blink cerraba todas las noches. Ser cabezas de cartel por encima de tus ídolos es un poco extraño«.
Para el año 2002, Blink-182 ya había lanzado Enema Of The State (1999) y Take Off Your Pants And Jacket(2001). Green Day, por su parte, venía de lanzar Warning (2000), un disco que no había tenido buen desempeño comercial (algo que cambiaría en 2004 con American Idiot). En ese contexto, y como Hoppus bien remarca, las actualidades de la banda eran muy distintas.
Green Day.
“Nos creíamos geniales, teníamos un número uno [Take Off Your Pants And Jacket], fuimos la primera banda de punk en tener un número uno, y Green Day estaba en decadencia momentáneamente”, añadió Hoppus. “Entramos pensando que éramos lo más y Green Day entró dispuesto a dar la talla musicalmente hablando. Ellos se portaron genial con nosotros todo el tiempo”, aclaró, para disipar cualquier tipo de duda sobre dónde recidía la competencia.
«Cuando llegó el momento de subir al escenario… Es como los atletas: podemos estar en equipos diferentes, pero cuando saltamos al campo, vamos a intentar darte una paliza«, afirmó Hoppus. «Nos dejaron boquiabiertos las primeras noches y pensamos: ‘¡Mierda! Tenemos que mejorar’. Luego fue una batalla constante sobre quién podía dar el mejor espectáculo y quién podía conquistar a la gente. Sin duda, nos convirtió en una mejor banda«.
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Todos los fans de The Rolling Stones pueden nombrar al menos una canción favorita. Sin intenciones de hacer futurología, es probable que muchos elijan el mismo tema: «(I Can´t Get No) Satisfaction«. Grabado el 12 de mayo de 1965, el track marcó un antes y un después para la banda y para toda una generación que buscaba ponerle palabras a su inconformismo. Sin embargo, para Neil Young, hay otra canción que los define mejor.
Los Stones fueron una de las primeras bandas que influyeron a Young en su exitosa carrera. En más de una oportunidad, el músico habló de ellos remarcando lo que le gustaba y lo que no. «Lo que más me gustaba de los Rolling Stones era que Brian Jones y Keith Richards tocaran juntos. Aunque Jones era un tipo un poco maleducado, un poco sub-bluesero, seguía teniendo esa exuberancia», dijo en una oportunidad.
Con respecto a las mejores canciones del grupo británico, Young afirmó: «‘Satisfaction’ fue una gran grabación. Pero ‘Get Off My Cloud’ fue mejor. Más suelta, menos impactante. Más desenfrenada«. Acto seguido, aclaró: «Sé que no es una canción tan buena y sé que la interpretación probablemente no sea tan buena como la de ‘Satisfaction’, pero es una canción improvisada que se les ocurrió de camino al estudio o la noche anterior, ¿sabes? Eso es lo que me gustó. Sonaba de verdad como los Rolling Stones«.
Neil Young. Foto: Facebook de Neil Young – Reprise Records.
Una canción que no le gustaba ni a Keith Richards
La respuesta de Young podría sorprender porque «Get Off My Cloud» no es una de las canciones que primero vienen a la mente cuando se piensa en los Stones. De hecho, ni siquiera el propio Keith Richards la tenía bien considerada. Tras el éxito de «Satisfaction» en 1965, la banda se vio presionada a lanzar un single tan bueno o mejor. Así nació «Get Off of My Cloud», una canción que Richards no dudó en tildar de apresurada, impersonal e innecesaria.
«Fue básicamente una respuesta a gente golpeando nuestra puerta pidiendo el sucesor de ‘Satisfaction’”, confesó el guitarrista a Rolling Stone en 1971. A pesar de que «Get Off of My Cloud» conquistó los primeros puestos en los Estados Unidos, Reino Unido, Canadá y Alemania, Richards siempre lo vio como una decisión motivada por la inercia del éxito, no por una convicción artística propia. «Nunca me gustó como grabación. El estribillo era una buena idea, pero la apuramos”, sentenció.
Se cumplieron 60 años de la grabación de «(I Can’t Get No) Satisfaction»
El 12 de mayo de 1965, en un estudio de grabación de Hollywood, nacía «(I Can’t Get No) Satisfaction» de The Rolling Stones. En tiempos en los que todavía coqueteaban con baladas barrocas como «As Tears Go By», «Satisfaction» los volcó decididamente al rock más crudo. El single fue un éxito instantáneo en Estados Unidos, donde alcanzó el puesto número 1 del Billboard en julio de 1965, y desde entonces no paró de crecer en escuchas alrededor del mundo.
Más allá de los rankings, «Satisfaction» representó un punto de inflexión cultural. Fue el principio del fin de la inocencia pop y el primer bastión del rock contestatario, con una cadencia que anticipaba el punk, pero con swing británico. Phil Spector lo resumió a la perfección: «‘Satisfaction’ no es solo una canción, es una verdadera contribución a la causa». En un mundo que empezaba a agrietarse por dentro, donde la publicidad prometía felicidad y el sistema exigía obediencia, los Stones aparecieron con una canción que repetía una y otra vez lo contrario: «No puedo obtener satisfacción”. Sesenta años después, sigue siendo un mantra.
El guitarrista Dave Navarro puso en duda el futuro de Jane’s Addiction después del violento episodio que protagonizó junto a Perry Farrelldurante un show en Boston el año pasado. En una entrevista reciente con Guitar Player, Navarro calificó ese show como «el peor» de toda su carrera y declaró que «no hay ninguna posibilidad de que la banda vuelva a tocar junta”.
El incidente tuvo lugar el 13 de septiembre de 2024 en el Leader Bank Pavilion, cuando Farrell agredió físicamente a Navarro en pleno escenario, en medio de un concierto que debió interrumpirse. Según gente del público, el cantante empujó y golpeó al guitarrista, provocando la intervención del bajista Eric Avery y el tecladista Cleary, quienes intentaron parar la pelea. Como si fuera poco, Farrell volvió a golpear a Navarro momentos después, esta vez en el rostro y detrás del escenario.
La pelea provocó la cancelación inmediata del resto de la gira, que había marcado el regreso de los cuatro miembros originales -Farrell, Navarro, Avery y el baterista Stephen Perkins– después de 14 años sin compartir escenario. Si bien Farrell se disculpó públicamente y su esposa, Etty Lau Farrell, informó que el músico había buscado ayuda médica tras lo ocurrido, los daños internos en el grupo parecen haber sido irreparables.
Dave Navarro y Perry Farrell.
«Todo el trabajo duro, la dedicación, las horas de escritura, los viajes, haber superado mi enfermedad… todo se detuvo en seco y destruyó para siempre la vida de la banda”, expresó Navarro en la mencionada entrevista. «Y no hay chance de que volvamos a tocar juntos”, sentenció luego.
El guitarrista destacó que, antes del incidente, la banda estaba viviendo una etapa de comunión creativa inusual, especialmente durante su paso por Europa: «No había egos. No había escenografía ni fuegos artificiales. Solo éramos nosotros, expandiendo las canciones, improvisando, con momentos que sonaban como una mezcla entre Grateful Dead y Radiohead”.
Sin embargo, como declaró Navarro en la entrevista, todo eso cambió el 13 de septiembre: «Ese show destruyó lo que habíamos recuperado. Por eso, sin repartir culpas ni nombres, ese es el peor concierto de mi vida”, concluyó el músico.
En detalle: ¿Qué pasó ese 13 de septiembre?
La banda estaba dando un show en Leader Bank Pavilion cuando, de repente, Farrell se acercó de manera muy prepotente a Navarro y comenzó a empujarlo para pelear. Todo sucedió durante la performance de «Ocean Size». En los videos captados por el público se ve claramente cuando Farrell increpa a Navarro, quien sorprendido intenta frenarlo con un brazo.
En ese momento aparece gente del staff de la banda que intercede junto al bajista para separar un enfrentamiento que escalaba rápido. Luego de este altercado, Navarro, Avery y Perkins aparecieron en el escenario para despedirse de la gente. Obviamente el show se dio por finalizado, dejando al público muy confundido y ofuscado con el desarrollo de los acontecimientos.
Las explicaciones de la mujer de Farrell
Tras la pelea, la mujer del cantante, Etty Lau Farrell, detalló lo que pasó y acusó al bajista de pegarle una trompada a Perry en el estómago. Además, contó que la frustración de Perry había ido en aumento, noche tras noche, porque sentía que el volumen del escenario había sido extremadamente alto y su voz estaba siendo «ahogada» por la banda.
Según el relato, Perry había estado sufriendo de tinnitus y dolor de garganta todas las noches. Pero cuando el público de la primera fila comenzó a quejarse de Perry maldiciendo porque no podían escucharlo, perdió la cabeza y sucedió lo que todos vieron.
Las disculpas del músico
«Después de tener el tiempo y el espacio para reflexionar, es justo que me disculpe con mis compañeros de banda, especialmente con Dave Navarro, fans, familiares y amigos por mis acciones durante el show del viernes», escribió Farrell. «Desafortunadamente, perdí el control con un comportamiento imperdonable y asumo toda la responsabilidad por cómo elegí manejar la situación».
Cuando The Beatles lanzaron “Ticket to Ride” en abril de 1965, lo hicieron con una canción que no sólo rompía moldes sonoros, sino que también introducía una carga emocional más densa y ambigua en sus letras. Incluida en el álbum Help!, la pistas se destacó por su ritmo marcado, estructura poco convencional y una instrumentación más pesada que lo habitual en el repertorio del cuarteto de Liverpool.
Una letra con varias interpretaciones
El significado de la canción ha sido objeto de múltiples interpretaciones a lo largo de los años. A primera vista, parece narrar la historia de una mujer que decide dejar a su pareja y emprender su propio camino, simbolizado por ese “ticket to ride”. La frase recurrente “She’s got a ticket to ride, but she don’t care” refleja la aparente indiferencia de ella y la desolación del narrador.
Sin embargo, detrás de esa narrativa simple se esconden referencias más personales. Una de ellas proviene de un recuerdo compartido porJohn LennonyPaul McCartney en sus primeros años como amigos y músicos.
A principios de los años 60, ambos hicieron dedo para visitar a Bett, prima de Macca, y su esposo Mike Robbins, quienes administraban un pub en Union Street, en la ciudad de Ryde (Isla de Wight). Años más tarde, esa experiencia se convirtió en un juego de palabras con el nombre del lugar: “ticket to Ryde”.
Paul McCartney y John Lennon.
El significado según el propio McCartney
En su libro del 2021, The Lyrics: 1956 to the Present, Paul contó: “John y yo siempre disfrutamos del juego de palabras. Así que la frase ‘She’s got a ticket to ride’ por supuesto que se refería a viajar en bus o tren, pero – si realmente quieres saberlo – también hacía referencia a Ryde, en la Isla de Wight, donde mi prima Betty y su esposo Mike tenían un pub”.
“Fue muy divertido visitarlos, así que John y yo hicimos autostop hasta Ryde, y cuando escribimos la canción nos referíamos al recuerdo de ese viaje. Es muy bonito ahora pensar en John y en mí en una pequeña cama individual, de pies a cabeza, y Betty y Mike viniendo a arroparnos”.
“Ticket to Ride” no fue un tema más en el repertorio de The Beatles, sino que fue una de sus creaciones más pesadas, según el propio Lennon. En una oportunidad, recordó que «‘Ticket To Ride’ tenía un sonido ligeramente nuevo en ese momento» y que “era bastante heavy para ese entonces”.
Entre los grandes hits de la carrera de David Bowie se encuentra «Heroes«, una canción emotiva y triunfal portadora de una gran historia de amor que tuvo lugar en Berlín, antes de la caída del muro. Esta historia comenzó siendo un secreto, pero el cantante pudo revelar su trasfondo. En una entrevista con Performing Songwriter, expresó: «Ahora puedo hablar de ello. En aquel entonces no. Siempre dije que la idea surgió de una pareja de enamorados junto al Muro de Berlín. En realidad, fueron Tony Visconti y su novia«, reveló en referencia a su productor.
El origen del tema según Bowie
«Tony estaba casado por aquel entonces.Pero ahora puedo decir que los enamorados eran Tony y una chica alemana que conoció mientras estábamos en Berlín. Le pedí permiso para decirlo. Creo que posiblemente la boda fue en los últimos meses y fue muy conmovedor porque pude ver que Tony estaba muy enamorado de esta chica, y fue esa relación la que, en cierto modo, inspiró la canción». «Yo seré el rey y tú la reina. Aunque nada pueda hacer que se vayan, vamos a vencerlos, solo por un día. Podemos ser héroes, solo por un día«, expresa esta canción.
El tema pertenece al álbum homónimo de Bowie publicado en 1977 y lo compuso mientras vivía en Berlín, en colaboración con Brian Eno, quien declaró a la revista Q en 2007: «Es una canción hermosa. Pero increíblemente melancólica al mismo tiempo. Podemos ser héroes, pero en realidad sabemos que algo falta, algo se ha perdido». «Heroes» aparece en varias películas, pero la que más le hace honor por su origen es Jojo Rabbit, film situado en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial.
David Bowie.
Una exnovia de Bowie tenía otra versión
El documental titulado Bowie In Berlin cuenta con una versión de la canción interpretada por Clare Shenstone (expareja del músico), quien aseguró que la letra de «Heroes» trata sobre un día que pasearon juntos por Berlín. La artista explicó en una entrevista con The Guardian que el tema se basó en un sueño que ella tuvo y luego se lo comentó al músico, donde nadaba con delfines.
Según explicó, esa imagen aparece en la canción con la línea “I wish you could swim / Like dolphins can swim” («Quisiera que pudieras nadar, como los delfines pueden nadar»). En la misma entrevista, Shenstone recordó que cuando escuchó la canción inmediatamente reconoció que lo que cantaba Bowie era en realidad una descripción de aquel día y el posterior paseo que ambos dieron después.
Allá por 1994, cuando el grunge pegaba sus últimos grandes coletazos, tres jóvenes desalineados de California se metían en la escena con un disco muy particular: Dookie. Con un título escatológico, una tapa digna de una revista berreta y canciones que hablaban de masturbación, apatía y aburrimiento existencial, Green Day pateaba la puerta del mainstream. Pero detrás de ese disfraz, había otra cosa: angustia. Y en el centro de todo eso, Billie Joe Armstrong tratando de no perder la cabeza.
«Pensé que me estaba volviendo loco. No entendía nada, así que la única forma de ponerle palabras a lo que me pasaba era escribir una canción”, dijo en una entrevista con la revista Rolling Stone. De ese sacudón interno nació «Basket Case», el tema más grande del disco y, quizás, la confesión más brutal de su carrera. Una canción que, bajo el disfraz de hit radial, se parecía más a un grito de auxilio.
Armstrong mismo lo definió mejor que nadie: «Es un himno para los raros y los freaks”. Y tenía razón. Porque «Basket Case» no es solo una canción sobre volverse loco; es un retrato honesto de los síntomas de la ansiedad. El estribillo no pregunta si tenés tiempo para escuchar una queja, sino si alguna vez estuviste al borde del colapso. Y la respuesta, para miles de adolescentes en los 90 (y para muchos más después), fue un sí rotundo.
Green Day.
La paradoja es tremenda: justo cuando a Green Day empezaba a irle realmente bien, cuando las discográficas se mataban por firmarlos y sus shows explotaban de gente, Billie Joe se venía abajo. La ansiedad, los ataques de pánico y una sensación constante de estar siendo observado lo estaban desestabilizando.
Y lo peor es que sentía que la escena punk que lo había acuñado desde muy chico le estaba dando la espalda. El miedo al juicio, a la acusación de «haberse vendido”, lo consumía por dentro. Y todo eso quedó plasmado en Dookie.
Porque el disco, más allá de su tono burlón y adolescente, está teñido de una oscuridad latente y «Basket Case», sin dudas, es el centro emocional del álbum. Un tema que logró lo que muy pocos consiguen: poner en palabras algo que a veces ni uno mismo puede explicar. Y en ese intento, encontró a su público.
En abril de 1965, The Beatles lanzaron «Ticket to Ride«, una canción que marcó un punto de inflexión en su evolución sonora y en la historia del rock. Incluida en el álbum Help!, esta pista se destacó por su ritmo contundente y su estructura innovadora, alejándose de las fórmulas pop tradicionales de la época. Grabada el 15 de febrero de 1965 en los estudios Abbey Road, «Ticket to Ride» fue el primer tema de los Fab Four en ser construido desde cero en el estudio. En lugar de grabar en vivo, como era habitual, comenzaron con la base rítmica y luego fueron sumando capas de guitarras, voces y percusión.
Paul McCartney tocó la guitarra principal en esa ocasión, utilizando una Epiphone Casino, mientras que John Lennon aportó su toque con su Fender Stratocaster y George Harrison hizo lo propio con una Rickenbacker de 12 cuerdas. RingoStarr, por su parte, ofreció una interpretación de batería más pesada y marcada que en trabajos anteriores. «‘Ticket To Ride’ fue ligeramente un nuevo sonido en ese momento”, comentó Lennon en Anthology. “Era bastante heavy para entonces, si vas y buscas en las listas de éxitos lo que estaban haciendo otras personas. La escuchas ahora y no suena tan mal; pero me hace estremecer”.
The Beatles.
En otra oportunidad, durante una entrevista en 1980 con David Sheff, John se refirió a la canción como «uno de los primeros tracks de heavy metal que se hicieron. La contribución de Paul fue la forma en que Ringo tocaba la batería». Por su parte, McCartney recordó que él y Lennon escribieron «Ticket to Ride» durante una sesión maratónica de composición, señalando un cambio de ritmo en el final del tema como su parte más «radical».
«Creo que lo interesante es el final loco. En lugar de terminar como el verso anterior, cambiamos el tempo. Tomamos una de las líneas, ‘My baby don’t care’ (‘A mi bebé no le importa’), pero modificamos por completo la melodía», explicó McCartney en la biografía Many Years From Now. «Casi inventamos la idea de una nueva pista en el fade-out con esta canción. Fue algo escrito especialmente para ese momento, que fue muy efectivo pero bastante descarado e hicimos un final rápido. Fue bastante radical en ese momento«.
El actor que elogió «Ticket to Ride»
En una oportunidad, el actor MartinShort, que hoy en día está teniendo mucho éxito con la serie Only Murders in the Building, eligió a «Ticket to Ride» como uno de sus tracks preferidos de todos los tiempos. «No creo que haya un mejor single que refleje la ambición, la tensión y la pura genialidad pop de The Beatles”, reconoció el intérprete. “Creo que el puente es brillante. La banda, de repente, acelera el ritmo frenéticamente y la melodía se vuelve precozmente rítmica, incluso cuando refleja la desesperación nerviosa que se esconde tras la melodía imponente. Creo que es una de las creaciones más grandiosas y perfectas de los Beatles».
