Alrededor del mundo se celebran algunos de los festivales de música más importantes y atractivos para los amantes de la música y Alemania alberga uno que nadie quiere dejar pasar: Parookaville. Este es el festival de música electrónica más grande del país y se celebra anualmente en el Aeropuerto de Weeze. Una de sus grandes particularidades es que recrea una ciudad ficticia -llamada «The City of Dreams»-, ofreciendo una experiencia inmersiva que va más allá de la música.

El lineup de Parookaville 2025

Del 18 al 20 de julio, los escenarios reunirán a los mejores DJs y productores de música electrónica, desde EDM y House hasta Techno y Trance. Durante las tres jornadas pasarán Afrojack, Armin Van Buuren, Hardwell, I Hate Models, Indira Paganotto, James Hype, Meute, Oliver Heldens, Steve Aoki, Robin Schulz, Timmy Trumpet y más.

Además, habrá iglesias, prisiones, oficinas de correo y hasta un “ayuntamiento” donde los asistentes podrán sacar su pasaporte. Tres días de duración, más de 300 DJs, 12 escenarios y 225.000 asistentes. ¿Quién no querría ir?

Warsteiner te lleva a Parookaville 2025

Si esta data llamó tu atención, lo que viene a continuación te va a motivar, ya que Warsteiner, la marca de cerveza de origen alemán, te puede llevar al festival. Sí, una de las principales marcas de cerveza Pilsener de Alemania comenzó a introducirse en el mundo de la música, principalmente la música electrónica, y será sponsor del festival. ¿Querés disfrutar de buena música, en un increíble lugar y con una cerveza en la mano? Warsteiner te lleva directo a «la ciudad de los sueños».

Cómo participar

Para participar sólo hay que escanear el código QR presente en la nueva edición de las latas de Warsteiner y completar el formulario en la web de la cerveza. Esta es una promoción para consumidores que les da la oportunidad de ganar 3 entradas y pases para vivir la experiencia de Parookaville. Los ganadores obtendrán una experiencia VIP en Parookaville (incluye vuelo, entradas, traslados y hospitalidad) y la posibilidad de hacer un tour por la cervecería en Warstein. El concurso se desarrollará en todo el territorio de la República Argentina excepto las provincias de Mendoza, Río Negro, Neuquén, Salta y Tierra del Fuego y hay tiempo hasta el 15 de junio de 2025 inclusive.

Con esta iniciativa, Warsteiner reafirma su espíritu innovador y su conexión con las experiencias que definen a una nueva generación de consumidores. «Ser parte del Parookaville representa nuestra pasión por la tradición y nuestro origen, pero a su vez es una apuesta a la innovación. Brindarle una experiencia 360º de música e historia a nuestros consumidores es un gran orgullo, y creemos que estamos a la altura de este mega evento internacional” comenta Diego Gonzalez Puig, Brand Grouper de la marca en Argentina.

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El legado del CBGB continúa vivo y se celebrará en el festival que llevará su nombre. El bar punk por el que pasaron grandes figuras como Patti Smith, Blondie, Ramones, Sonic Youth, Bad Brains, The Clash, entre muchos otros, fue el semillero de una auténtica escena contracultural.

El festival CGBG se llevará a cabo el 27 de septiembre en Under the K Bridge Park, Brooklyn (Nueva York) y tendrá como números principales a Iggy Pop y Jack White. A ellos se les suma un lineup de bandas que representan tanto los inicios del bar como sus transformaciones a lo largo del tiempo.

La grilla contará con 21 artistas, entre los que se incluyen Johnny Marr, Marky Ramone, Sex Pistols, The Damned, Gorilla Biscuits, Melvins, Lambrini Girls, The Linda Lindas y Lip Critic, que se desplegarán por los tres escenarios. Las entradas estarán a la venta desde el próximo jueves a través de la web oficial del festival y los precios comenzarán en 150 dólares.

Así anunciaron el festival:

«Enraizado en la rebeldía, impulsado por una energía pura y definido por un legado underground, CBGB es más que un nombre; es un movimiento. El Festival CBGB celebra el pasado crudo y lleno de pegatinas de la ciudad de Nueva York desde la perspectiva de la era punk moderna. Conectando generaciones de contracultura, honra el espíritu perdurable de la música underground de la ciudad a la vez que destaca las voces que forjan su futuro».

CBGB abrió sus puertas en 1973, con la movida punk en su nacimiento, y fue un hogar para el new wave. Este mítico bar cerró sus puertas en 2006, pero por allí pasaron algunas de las bandas y artistas que pasarían a la historia como íconos de estos estilos musicales y movimientos sociales.

Nike lanzó una colección de zapatillas inspiradas en el mítico CBGB

Las nuevas zapatillas, parte de la línea Dunk Low, tienen la palabra Nike escrita en grandes letras rojas, misma tipografía que tenía el nombre del club. Además, la ubicación del recinto también aparece en el modelo, aunque parcialmente mal escrita. En la zapatilla izquierda dice “Bleeker” en vez de “Bleecker St.», mientras que la derecha lleva la inscripción “Bowery” de manera correcta. Además, las plantillas tienen un diseño que remite a las pegatinas de las paredes del club.

El CBGB tomó su nombre de las iniciales de country, bluegrass y blues, los estilos musicales que sonaban en los inicios. Sin embargo, con el tiempo, el dueño Hilly Kristal le abrió las puertas a artistas punk, por lo que a fines de los 70 y comienzos de los 80 el lugar se terminó convirtiendo en el epicentro del punk rock y el new wave, dejando una huella imborrable en la escena neoyorquina.

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Hay músicos y bandas que han creado himnos musicales, canciones que se volvieron clásicos, que tocaron la fibra íntima de millones de personas, que fueron versionadas por cientos de artistas, que forman parte del cancionero popular. Sin embargo, estos mismos músicos exitosos pueden reconocer la grandeza en sus colegas y admitir que hay otras piezas musicales que les hubiera gustado escribir.

A David Gilmour le hubiera gustado escribir “Waterloo Sunset” de The Kinks -“la canción pop perfecta”-, algo en lo que coincidió Damon Albarn -“es la canción más perfecta que me habría gustado escribir, con mi tipo de voz“-. Por su parte, para Jimi Hendrix ese track era “White Room” de Cream. ¿Y en el caso de Nick Mason, baterista de Pink Floyd?

En una entrevista con NME, Mason recorrió las canciones que marcaron su vida, desde «Blue Suede Shoes» de Elvis Presley -la primera de la que se enamoró-, pasando por «Peter Gunn» de Duane Eddy -que lo lleva a su adolescencia- hasta «Comfortably Numb» de Pink Floyd -una que no se puede sacar de la cabeza-. Además, se refirió a la canción que le hubiera gustado escribir: una de Bob Dylan.

«Cualquier cosa de Bob Dylan, en realidad. El mejor compositor de todos los tiempos. Era radicalmente diferente a todo lo demás» dijo Mason antes de nombrar «Blowin’ In The Wind» como un ejemplo del gran repertorio que tiene el estadounidense. Esta canción fue escrita y grabada en 1962 y luego publicada dentro del álbum The Freewheelin’ Bob Dylan (1963).

De qué trata “Blowin’ In The Wind”, la canción que Bob Dylan escribió en 10 minutos

“Blowin’ In The Wind” es una de las canciones más importantes de la carrera de Dylan. Además de ser versionada por varios artistas, apareció en películas como Forrest Gump y en comerciales de Budwiser, Victoria’s Secret y más. Y un dato no menor: se la cantó al Papa Juan Pablo II.

La lírica siempre fue el aspecto más destacado de la obra de Dylan, por lo que muchas preguntas surgieron en torno a este hit. La primera vez que lo tocó en un bar de Nueva York, adelantó: “Esta canción no es de protesta o nada de eso, porque no escribo canciones de protesta”. Sin embargo, como muchas de las canciones del autor, los significados se presentan crípticos.

“Blowin’ in the Wind” es un conteo de preguntas retóricas que reciben una respuesta filosófica: “La respuesta, mi amigo, está soplando en el viento”. Sobre esto, el Papa Juan Pablo II le dijo a Dylan: “Tu dices que la respuesta está soplando en el viento, mi amigo. Así que allí está: pero no es el viento que vuela las cosas. Es el viento el aliento y vida del Espíritu Santo, la voz que llama y dice: ‘Ven’”.

“Me preguntaste: ‘¿Cuántos caminos debe un hombre caminar hasta convertirse en un hombre?’. Yo te respondo: ‘Uno’. Solo hay un camino para el hombre y es Cristo, quien dijo: ‘Yo soy la vida’”, agregó el fallecido Pontífice. Este tema se consolidó como clásico no solo por su bella melodía sino por lo polisémico de su letra que conmovió y planteó la reflexión del líder católico.

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Uno creería que entre colegas todos se conocen, pero The Kooks demostró que eso no siempre es así. La banda británica formada en Brighton tuvo un encuentro con Fontaines D.C., uno de los grupos del momento, sin saber realmente quiénes eran. El desconcierto fue tal que debieron googlearlos después de conocerlos.

La revelación llegó de la mano del guitarrista de los Kooks, Hugh Harris, en diálogo con Contact Music. Allí, y a propósito de su nuevo disco –Never/Know-, el músico habló de diversos temas, entre ellos la cantidad de bandas nuevas que se les acercan agradeciendo por su música y la influencia que tuvo en ellos.

“El verano pasado tuve que buscar en Google a Fontaines D.C.. Yo estaba afuera de nuestro camarín y ellos vinieron a saludarnos para mostrar respeto y cariño por la banda. Pensé: ‘¿Quién diablos son?’” reveló Harris. Acto seguido, cuando descubrió quiénes eran, se sorprendió: «‘¡Dios mío, son enormes!’ Es genial tener ese apoyo de ambas partes«.

Más allá de este hecho, lo cierto es que los miembros de The Kooks valoran que cada vez se les acerquen más jóvenes -y no tan jóvenes- a decirles que escuchaban su música en la adolescencia. «Siempre oigo lo mismo: ‘Solía escuchar a The Kooks en el coche con mis padres y mi hermano pequeño’. Siempre es algo intergeneracional», comentó Luke Pritchard, voz del grupo.

Fontaines D.C.: entre la ayuda de Alex Turner y las críticas de Liam Gallagher

Fontaines D.C. estuvo en boca de todos el año pasado tras el lanzamiento de su disco Romance, elegido por Indie Hoy como uno de los 50 mejores álbumes del 2024. El grupo, que canceló una visita a la Argentina como parte del Lollapalooza 2025, apareció en varias noticias vinculadas con otros colegas.

Por un lado, Alex Turner -líder de Arctic Monkeys- les prestó su guitarra para grabar Romance. «Nos la prestó para el último álbum y terminó siendo la guitarra que usamos, tanto [Conor] Curley como yo la usamos para los sonidos más pesados (…) Esta fue la mejor para eso», reveló el guitarrista Carlos O’Connell.

Por otro lado, la banda criticó la vuelta de Oasis y recibió una dura respuesta por parte de Liam Gallagher. “Me importa un carajo, para ser honesto”, declaró O’Connell, a lo que su compañero Conor Deegan III agregó: “Yo tampoco estoy entusiasmado, siendo sincero. Siento que estamos atrapados en la última era, como en los años 2010, y en algo tan nostálgico que nos olvidamos de crear cosas nuevas”.

Liam se enteró de las declaraciones de los irlandeses y decidió contestarles a través de su cuenta de Twitter/X: “Que se jodan esos mocosos, he visto roadies mejor vestidos”. Y en otro tuit añadió: “Parecen una versión de mierda de EMF”.

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El 12 de mayo de 1965, en un estudio de grabación de Hollywood, nacía una de las canciones más icónicas de la historia del rock. «(I Can’t Get No) Satisfaction» de The Rolling Stones marcaba un antes y un después para la banda y para toda una generación que buscaba ponerle palabras a su inconformismo. Este lunes se cumplen 60 años de su grabación y ese icónico riff sigue tan fresco y combativo como entonces.

En tiempos en los que los Stones todavía coqueteaban con baladas barrocas como «As Tears Go By», «Satisfaction» los volcó decididamente al rock más crudo. El single fue un éxito instantáneo en Estados Unidos, donde alcanzó el puesto número 1 del Billboard en julio de 1965, y desde entonces no paró de crecer en escuchas alrededor del mundo.

Pero más allá de los rankings, «Satisfaction» representa un punto de inflexión cultural. Fue el principio del fin de la inocencia pop y el primer bastión del rock contestatario, con una cadencia que anticipaba el punk, pero con swing británico. Phil Spector, el genio detrás del «muro de sonido», lo resumió a la perfección: «‘Satisfaction’ no es solo una canción, es una verdadera contribución a la causa».

En un mundo que empezaba a agrietarse por dentro, donde la publicidad prometía felicidad y el sistema exigía obediencia, los Stones aparecieron con una canción que repetía una y otra vez lo contrario: «No puedo obtener satisfacción”. Sesenta años después, sigue siendo un mantra. A continuación, 5 datos para entender el impacto de «(I Can’t Get No) Satisfaction”.

1. Surgió a partir de un sueño de Keith Richards

El riff de guitarra de «Satisfaction» se considera uno de los más grandes de todos los tiempos. El riff, tocado por Keith Richards, se convirtió en la columna vertebral de la canción, esencial para su éxito. Según Richards, la idea surgió mientras dormía y fue grabada en un simple casete en su habitación de hotel. Al despertar, no recordaba haber compuesto el riff, pero al escuchar la grabación -formada en su mayor parte por ronquidos-, supo que había algo especial en ese sonido.

2. Fue censurada en el Reino Unido y Estados Unidos

«Satisfaction» no solo fue un éxito rotundo, sino que también ayudó a los Stones a consolidarse como la banda de rock más influyente de su época. A nivel comercial, el tema alcanzó el primer puesto en los charts y se mantuvo ahí durante cuatro semanas. Esto representó el primer número uno para la banda en Estados Unidos, lo que consolidó su internacionalización.

Sin embargo, no fue todo color de rosas. En el Reino Unido, la canción inicialmente fue transmitida solo por estaciones de radio pirata debido a su letra considerada «sugestiva sexualmente». En los Estados Unidos, algunas emisoras censuraron líneas específicas como «trying to make some girl», también por su contenido.

3. La distorsión fue accidental (y revolucionaria)

El sonido tan distintivo del riff principal fue logrado con un pedal Maestro Fuzz-Tone, un efecto que Keef usó inicialmente como guía para una futura sección de metales, la cual terminaría no quedando. El productor Andrew Loog Oldham insistió en mantener esa toma, lo que terminó popularizando el uso de la distorsión en la guitarra eléctrica y marcando un antes y un después en la sonoridad del rock. La demanda del pedal se disparó tras el lanzamiento.

4. Se convirtió en símbolo de una juventud inconforme

La canción se convirtió en un himno de rebeldía para una generación desencantada con la sociedad de consumo. La frase «I can’t get no satisfaction” logró sintetizar la frustración existencial y juvenil de la década de los 60 y fue adoptada por miles de adolescentes de todo el mundo como bandera y como crítica al conformismo, al sistema capitalista y la represión sexual.

5. Tuvo versiones memorables

A lo largo de los años, «Satisfaction» fue versionada por diversos artistas, destacándose la interpretación de Otis Redding, que finalmente incorporó las secciones de viento que originalmente había imaginado Richards. También es notable la versión de Devo, que transformó la canción en una interpretación robótica y satírica, obteniendo la aprobación de Mick Jagger.

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El Centro Cultural Recoleta invita a revivir uno de los hitos del rock clásico con la proyección de The Song Remains the Same (o La canción sigue siendo la misma en español), la película-concierto de Led Zeppelin. La función será el viernes 16 de mayo a las 18 h en la Sala Cine, con entrada gratuita para argentinos y residentes, mediante reserva previa en el sitio Entradas BA.

Dirigida por Joe Massot y Peter Clifton, y distribuida por Warner Bros. en 1976, la película captura la potencia escénica de la banda británica durante su histórica serie de conciertos en el Madison Square Garden en julio de 1973. Con canciones como «Stairway to Heaven«, «Kashmir«, «Whole Lotta Love» y «Black Dog», la banda sonora reúne lo mejor del catálogo de Zepp en su era dorada.

Detrás de escena: un rodaje caótico pero mítico

El camino hacia The Song Remains the Same fue tan intenso como la música del cuarteto. Led Zeppelin, que llevaba años planeando una película, recién concretó el proyecto cuando su mánager Peter Grant contactó a Massot durante una escala del tour estadounidense en 1973.

Las grabaciones se realizaron en tres noches consecutivas en Nueva York, y enfrentaron desde problemas con el sindicato de técnicos hasta inconsistencias en el vestuario de los músicos, lo que complicó la edición. Grant, insatisfecho con el progreso, despidió a Massot y convocó a Clifton para completar el proyecto, incluyendo escenas recreadas en estudios de Inglaterra donde John Paul Jones debió usar una peluca.

Un estreno agitado para una obra de culto

El estreno del film llegó recién en 1976, casi tres años después del rodaje y con un presupuesto excedido. Algunos la consideran un retrato desparejo, con momentos kitsch y escenas de fantasía intercaladas con el concierto. Sin embargo, The Song Remains the Same terminó convirtiéndose en un documento imprescindible para fanáticos y coleccionistas del conjunto británico. En 2007, una nueva versión remasterizada se estrenó en DVD, revelando material inédito y mejorando sustancialmente la calidad de imagen y sonido.

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La mayoría de los músicos recuerdan cuál fue la canción (o el disco) que les despertó las ganas de adentrarse en un instrumento. En el caso de Taylor Hawkins, el icónico baterista de Foo Fighters que falleció el 25 de marzo de 2022, una de las bandas que lo llevó por el camino de la batería fue nada más y nada menos que Queen. 

En una entrevista de 2016 con el medio NME, Hawkins hizo un repaso por las canciones que marcaron su vida. Así, reveló que «Louie Louie» de The Kingsmen fue la primera pieza que escuchó; que «Have You Never Been Mellow» de Olivia-Newton John fue el primer tema del que se enamoró, y que «Anything» de David Bowie era su favorita para cantar en un karaoke.

Una canción y un disco que lo llevaron por el camino de la batería

Hawkins hizo referencia a la canción que le despertó el deseo de tocar la batería: «Keep Yourself Alive» de Queen. «Hay una versión en vivo de 1979, que al parecer la banda odió, pero a mí me encanta. Es uno de mis discos favoritos de Queen y tiene una de las mejores baterías de Roger Taylor«, comentó.

En ese mismo apartado, nombró un disco de The Police que también lo motivó a ser baterista. «Zenyatta Mondatta de The Police es otro disco que me hizo pensar: ‘¡Guau! Quiero tocar la batería así’. Mi sueño era cantar y parecerme a Roger Taylor y tocar la batería como Stewart Copeland».

La banda que Taylor Hawkins definió como “los Beatles con esteroides”

Está claro que Queen era una de sus bandas favoritas. El conjunto formado por Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor fue de gran inspiración para Hawkins a lo largo de su vida y en una oportunidad admitió: “Queen era una especie de mi escuela de música. Como un disco de los Beatles, los discos de Queen lo tenían todo”. Acto seguido, el batero no dudó en colocar al grupo británico en el mismo escalón que The Beatles. “Queen son los Beatles con esteroides. Y no lo digo con la intención de faltarle el respeto a los Beatles porque no habría Queen si no hubiera habido The Beatles”.

El disco de Genesis que describió como su “biblia de la batería”

En una entrevista de 2006 con Modern Drummer, Hawkins -quien por aquel entonces acababa de editar el LP debut de su propio proyecto musical, Taylor Hawkins and the Coattail Riders- habló sobre las influencias que lo ayudaron a darle forma al disco. Con respecto al disco que lo ayudó a moldear su estilo, mencionó un LP clásico de Genesis. “Tengo que admitir que estoy en una fase progresiva. Me encantan los primeros discos de Genesis como Trick of the Tail y Seconds Out, con Phil Collins, Chester Thompson y Bill Bruford en la batería. En realidad, Seconds Out es una de mis biblias del instrumento. También es uno de mis álbumes favoritos en lo que respecta al sonido de la batería”, sentenció.

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Brian Wilson se caracterizó por ser un compositor y productor que buscaba la máxima complejidad y belleza en sus canciones. Su perfeccionismo y búsqueda de armonías y melodías incluso lo llevó a estar cerca de la locura. De hecho, actualmente se encuentra bajo una curatela por demencia.

Además de los grandes éxitos que compuso a lo largo de su carrera como «God Only Knows«, «Wouldn’t It Be Nice», «Good Vibrations», «Surfin’ U.S.A», entre otras, también fue el autor de canciones que no gozaron de gran popularidad y hasta causaron opiniones encontradas entre los miembros de la banda.

Una de ellas es «Surf’s Up«, compuesta por Wilson y con letra de Van Dyke Parks, la cual iba a formar parte de Smile, el disco inconcluso de la banda. Entre idas y vueltas, Wilson dejó este tema de lado y luego lo retomó para que, finalmente, sea parte del disco homónimo estrenado en 1971.

Cómo surgió el tema

Sobre cómo fue la composición, declaró: “La escribimos espontáneamente. Era una obra maestra. Empezaba en séptima menor, a diferencia de la mayoría de las canciones, que empiezan en séptima mayor. A partir de ahí, empezó a crecer, pensé que era una divagación hermosa y, al final, decía mucho”.

Por qué la banda lo rechazó

Cuando el resto de la banda se encontró con esta creación, no la recibieron positivamente. Así lo recordó Mike Love en diálogo con Uncut: «Mucho de la canción era fenomenal, pero yo miraba las cosas desde un punto de vista objetivamente comercial. Ya sea una fortaleza o una debilidad. Dije: ‘¿Va a relacionarse con el público al punto de que puedan identificarse con el mensaje y la letra?’«.

Si bien con el paso del tiempo la canción comenzó a ser valorada y muchos especialistas la consideran una de las mejores de la banda, Love estuvo en lo cierto, ya que no logró ser un hit en los ránkings.

La canción que The Beach Boys consideró «un desastre»

En algunas ocasiones, Wilson y la banda coincidían en sus apreciaciones. Por ejemplo, que “Ten Little Indians”, el tercer sencillo del disco debut de los californianos, era un desastre. Esta canción no resultó debido al uso de la palabra “squaw”, un insulto racial que se usa para describir a una mujer nativa americana y que tiene connotaciones despectivas.

El exmiembro de Beach Boys, Al Jardine, se sentó a hablar con Consequence en 2022 y no solo rememoró aquellos días de la banda sino que también definió al tema como un “gran desastre”: “El sello no sabía qué demonios estaba haciendo y pensó que sería una nueva dirección para nosotros. Obviamente, no lo fue“.

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A lo largo de su carrera, Queen fue responsable de una serie de éxitos que dejaron una huella imborrable en la historia del rock. Sin embargo, entre estos himnos, hay composiciones que, a pesar de su complejidad y profundidad, no han recibido el reconocimiento que merecen. Una de ellas es “The Prophet’s Song”, obra que Brian May considera una de las más subestimadas del repertorio de la banda. Incluida en el álbum A Night at the Opera de 1975 -el mismo del que formó parte “Bohemian Rhapsody”-, es una pieza de ocho minutos que explora territorios del rock progresivo y experimental, y que May desearía que hubiera tenido mucho más éxito.

En una entrevista con MusicRadar de 2023, el guitarrista británico dijo: “Hay un millón de cosas que desearía que hubieran recibido más atención. Supongo que ‘The Prophet’s Song’ prevalece más. Solo unas pocas personas que están muy metidas en las profundidades de Queen a lo largo de los años son realmente conscientes de lo que significa ‘The Prophet’s Song’”. A pesar de esta falta de reconocimiento masivo, May no muestra resentimiento. Por el contrario, el oriundo del distrito londinense de Hampton Hill reconoce el poder de los éxitos y cómo estos se entrelazan con las vidas de las personas.

“No se puede negar el hecho de que un éxito llega a la gente”, admitió. “Y se incrusta en sus vidas para siempre. Cada vez que escuchan los acordes de esa canción, una avalancha de emociones regresa a su cuerpo. Eso es algo precioso. Tenemos tanta suerte de tener tantos éxitos que están ligados a las vidas de las personas y siempre lo estarán. Podemos tocar un concierto y tocar las primeras notas de cualquier canción y sentir esa respuesta emocional de inmediato. Es asombroso. Qué cosa tan maravillosa”, sumó.

Sin embargo, May también es honesto a la hora de hablar sobre aquellos errores en la discografía de Queen, como por ejemplo el momento en el que lanzaron su séptimo disco, Hot Space. “Creo que Hot Space fue un error, aunque sólo fuera en cuanto al tiempo en el que fue publicado. Nos metimos mucho en el funk y era bastante similar a lo que hizo Michael Jackson en Thriller. Pero el momento no fue el adecuado. ‘Disco’ era una mala palabra”, reveló la leyenda de las seis cuerdas en una entrevista.

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